Las dimensiones de Sebastián

Sobre una transitadísima avenida, una enorme barda blanca con un portón metálico separa al mundo congestionado de lo que sucede al otro lado. El amplio patio corresponde a lo que uno imaginaría de 
un taller donde se producen esculturas de enormes proporciones, pero también es mejor.
Este ambiente fresco, económico, estético representa de alguna manera lo que se crea y se resguarda en él: la obra de Sebastián, nacido en Camargo, Chihuahua en 1947, quien llegó a la Ciudad de México en 1964 sin un cinco en la bolsa ni un lugar donde vivir, para convertirse en «el escultor mexicano más importante de su generación», como lo llamó Mathias Goeritz.

Estudiar artes plásticas en la Academia de San Carlos ocasionó que, por necesidad o por astucia, Enrique Carbajal —que poco después adoptaría el seudónimo de Sebastián— se convirtiera en el «fantasma» de la Academia, como él mismo se autonombra: «Como llegué sin tener medios ni alojamiento, para no vagar de noche en las calles del Centro, me metí a vivir en la Academia de trampa, y como de noche prendía la luz del taller para trabajar, los vigilantes se daban a la tarea de subir, abrir el taller y apagar las luces, ¡hasta tres veces en una noche! Esto ya los tenía con más miedo que flojera, nadie sabía por qué se encendían de repente. Meses más tarde me sorprendieron, pero Benjamín Domínguez logró que me permitieran quedar en el salón de la Sociedad de Alumnos donde pude, finalmente, dormir en un sofá y no en el piso».

Siendo estudiante, Sebastián descubrió el lenguaje
 de la geometría en los escritos de Leonardo da
 Vinci y Alberto Durero, desde entonces es su
 pasión y fundamento de su trabajo, que coincide cronológicamente con el llamado geometrismo mexicano. El escultor establece la siguiente analogía: «Los lenguajes escritos, los del mundo, los idiomas utilizan palabras, sílabas, letras, narraciones, el poeta las utiliza; Octavio Paz o Neruda son diferentes, emplean el mismo idioma, pero lo codifican de manera diferente. Con la geometría pasa lo mismo, es tuya y de todos, pero no todos la pueden resolver igual porque es un lenguaje.

El mío es un lenguaje que está armado, que tiene constantes, que tiene un número en proporción y que, al final, tiene un hilo conductor. Decía Mathias Goeritz: “un cubo de Sebastián es un universo distinto al mío”, él veía en la forma una arquitectura emocional, yo veía una geometría emocional».

El primer trabajo que dio fama a Sebastián y que logró originalidad estética real data de 1967, el Rosetón Victoria, en el que fusiona su interés en la curva de Mœbius, los prismas regulares y el arte cinético. El impacto de la pieza radica en todas las posibles posiciones resultado de su manipulación; a estas obras se les conoce como Transformables.

«La escultura monumental es soñar y hacer posible lo que has soñado. La primera escultura de diez metros la hice sin tener ni dónde meterla; alguien la compró, así que seguí. Trabajar para proyectos de tal magnitud implica siempre hacer lo que tú quieres hacer en tu vida, pero no se puede hacer solo. Además de que son necesarias la ciencia, tecnología, ingeniería, arquitectura y la comprensión de las estrategias estructurales, para realizar una obra así se requiere de apoyo político, económico y social, las tres partes tienen que estar dispuestas, se deben conciliar para poder concretar; con una que esté en contra basta para que no se realice».

 

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Homenaje a Tamayo, 1988, Ciudad Universitaria.
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Araña grande, 1988, Nuevo México.
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Cabeza de caballo, 1992, Ciudad de México.

 

 

Artículo tomado de: http://algarabia.com/122/las-dimensiones-de-sebastian/

Más información: http://www.sebastianmexico.com

https://www.mexicodesconocido.com.mx/sebastian-un-escultor-tridimensional.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Carbajal

 

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La música puede ser el mejor aliado en momentos de estrés.

¿Qué te gusta escuchar cuando estás estresado? La música puede ser el mejor aliado en momentos de ansiedad y tensión, y la ciencia recomienda hacer una lista de 10 canciones que lo hagan sentir bien, para desconectarse por minutos de la realidad y relajarse.

El Doctor Lewis Hodgson de Minlab International realizó un estudio en el que la canción ‘Weightless’, de Marconi Union, es la melodía más relajante probada hasta la fecha. Al escucharla, indica el estudio, la ansiedad se reduce inmediatamente en un 65 por ciento.

 

El estudio se realizó con participantes que intentaron resolver acertijos difíciles lo más rápido posible mientras estaban conectados a sensores.

Los ejercicios indujeron un cierto nivel de estrés y los participantes escucharon diferentes canciones mientras que los investigadores midieron la actividad cerebral y los estados fisiológicos que incluían la frecuencia cardíaca, la presión arterial y la frecuencia respiratoria.

Igualmente notable es el hecho de que la canción fue construida para relajar. El grupo Marconi Union lo hizo en colaboración con terapeutas de sonido. Sus armonías, ritmos y líneas de bajo cuidadosamente arreglados ayudan a ralentizar la frecuencia cardíaca de un oyente, reducir la presión arterial y disminuir los niveles de la hormona del estrés, el cortisol.

El experto además aconsejo escucharlas en momentos de relajación cuando las labores han concluido y la persona se encuentra en casa, ya que su efectividad fue tal que un alto porcentaje de los voluntarios al estudio, la mayoría mujeres, se pusieron soñolientos al oírla. “Yo aconsejaría no escucharla mientras conducen”, recomendó.

Otras recomendaciones del dr. Lewis

 

Información tomada de: http://www.elfinanciero.com.mx/after-office/que-musica-escuchas-para-relajarte-prueba-con-esta-cancion.html

Halloween

Sus raíces están vinculadas con la conmemoración celta del Samhain y la festividad cristiana del Día de Todos los Santos, celebrada por los católicos el 1 de noviembre. Se trata de un festejo secular, aunque algunos consideran que posee un trasfondo religioso. Los inmigrantes irlandeses transmitieron versiones de la tradición a América del Norte durante la Gran hambruna irlandesa.

Les comparto estas infografias, que me parecieron interesantes, por su contenido y diseño:

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María Izquierdo

María Cenobia Izquierdo Gutiérrez (San Juan de los Lagos, Jalisco, 30 de octubre de 1902 – Ciudad de México, 2 de diciembre de 1955) fue una pintora mexicana, la primera en exponer sus obras fuera de México, en 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de la ciudad de Nueva York. Aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan el año 1902 como el de su nacimiento, algunos otros (véase Diccionario Larousse) afirman que fue en 1906. Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores y temáticas que incluyen autorretratos, paisajes, naturaleza y muestras claras de surrealismo.

“María Izquierdo se cuenta entre las primeras artistas que rompieron con las restricciones impuestas por una sociedad machista en la que las actividades de la mujer estaban tradicionalmente confinadas a los roles de esposa, madre y ama de casa. Con el tiempo, otras creadoras de su generación han sido revisadas y revaloradas, como es el caso de Lola Álvarez Bravo, Rosa Rolanda, Nahui Ollin, Lola Velázquez Cueto, Olga Costa, Rosario Cabrera, Angelina Beloff, por citar algunas mujeres audaces, comprometidas con su trabajo y con sus ideas, que lucharon por consolidar un lenguaje visual de carácter individual, espontáneo y ajeno a todo academicismo. A pesar de que la Academia de San Carlos ya contaba con alumnas desde fines del siglo XIX, y del criterio de apertura que inauguraron las Escuelas de Pintura al Aire Libre, el establecimiento de una carrera independiente por parte de la mujer fue por mucho tiempo un objetivo difícil de lograr. Una de estas precursoras fue María Izquierdo, hoy en día consolidada como figura emblemática en el concierto del arte moderno mexicano”.

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Viernes de Dolores, 1944-1945. 
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Naturaleza viva, 1946
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Sueño y presentimiento, 1947

 

 

Información tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/María_Izquierdo_(pintora)

http://www.jornada.unam.mx/2013/10/06/sem-germaine.html

Roy Lichtenstein

“Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. Roy Lichtenstein”.

 

Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923-ibídem, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
Nació el 27 de octubre de 1923, en Nueva York en el seno una familia judía de clase media alta. Fue el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) fue un corredor inmobiliario exitoso y Beatrice Lichtenstein (1896-1991), una ama de casa que había estudiado como pianista. Ella expuso a Roy y su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura de Nueva York.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.

Roy Lichtenstein es un nombre muy cotizado en las subastas. El 15 de mayo de 2013 una de sus obras, Woman with flowered hat, fue adjudicada en la casa Christie’s de Nueva York por 43 776 525 euros.Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic.

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Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic. Como dato curioso, en 1990 El beso fue vendido en una casa de subastas al propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares”. 
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“En los setenta, ochenta y noventa el artista estadounidense se deja influir por el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. Los críticos a menudo han calificado como “frías” las obras de Lichtenstein, ya que ponía cierta meticulosidad en el diseño y las composiciones quedaban casi mecánicas”.
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Barcelona’s Head, obra de Roy Lichtenstein ubicada en el Paseo Colón de Barcelona. (1991-1992)
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Brushstroke (Pincelada), escultura en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España.

 

 

Información tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Roy_Lichtenstein

Más Información: https://www.muyinteresante.es/cultura/arte-cultura/fotos/9-obras-geniales-de-roy-lichtenstein/brochazo

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lichtenstein.htm

 

NESTING

Esta palabra significa anidar o permanecer en casa y, por lo regular, se usa para describir el arte y el placer de disfrutar el tiempo libre en casa, lejos del ruido y caos cotidiano de la ciudad. Y estas son algunas de sus principales ventajas:

Disminuye el estrés

Decidir pasar los días de descanso en casa es difícil, por lo regular queremos “aprovechar” este tiempo en visitar diferentes lugares, hacer compras o visitar a los amigos y familia, pero el ajetreo y el tránsito citadinos no se detienen ni los fines de semana y pueden tornarse complicados, por lo que el hogar se convierte en un santuario insustituible para relajarte y liberarse del estrés.

Ahorro dinero

Otra razón es el factor económico. Haz un cálculo, al salir de casa debes gastar en transporte, alimentos y todo aquello que se te pegue en el camino. Por esto, hacer nesting se ha convertido en una práctica no sólo de comodidad sino de ahorro ya que, si deseas quedarte en casa, ver tu serie favorita y pedir comida a domicilio, incluso utilizando una app; si aún no tienes una instalada prueba con SinDelantal, que cuenta con el servicio de 3,500 restaurantes en México.

Convive con tus seres queridos

Aprovechar el tiempo libre en hacer arreglos del hogar o, simplemente, dedicarse a ver series o películas, resulta un medio muy eficaz para fortalecer los vínculos familiares. Estudios recientes incluso mencionan que crear un hogar acogedor e involucrarse en la decoración del hogar no sólo fortalece los vínculos familiares, sino que reduce los niveles de ansiedad.

Así que si alguna vez decides dejar de lado los planes fuera de casa y eliges quedarte a ver películas, leer, estar con pareja y consentirse con su comida favorita a la puerta de tu casa, no te sientas culpable. Tu cuerpo y tu billetera te lo agradecerán.

 

Artículo original en: http://s1ngular.com/nesting-el-arte-de-quedarte-en-casa/#

Día Internacional de la No violencia

«Existen muchas causas por las cuales estoy dispuesto a morir, pero ninguna por la cual esté dispuesto a matar».
Mahatma Gandhi, La historia de mis experimentos con la verdad, 1927

 

“Paz, tolerancia, comprensión y no violencia
Este Día Internacional se conmemora el 2 de octubre, aniversario del nacimiento de Mahatma Gandhi, en homenaje al líder del movimiento de la Independencia de la India y pionero de la filosofía de la no violencia.

Al ser capaz de dirigir a la India hacia su independencia rechanzando la violencia, incluso bajo durísimas condiciones y retos aparentemente infranqueables, Gandhi se ha convertido en fuente de inspiración de los movimientos no violentos que luchan por el reconocimiento de los derechos civiles y por el cambio social. El recuerdo de su legado es una gran ocasión para diseminar su mensaje.

El principio de la no violencia tiene una relevancia universal y busca conseguir una cultura de paz, tolerancia y comprensión. Como dijo Ghandi «la no violencia es la mayor fuerza a disposición de la humanidad. Es más poderosa que el arma de destrucción más poderosa concebida por el ingenio del hombre».
Definición de la No violencia

El principio de la no violencia –también conocido como la resistencia no violenta– rechaza el uso de la violencia física para lograr un cambio social o político. A menudo descrito como «la política de la gente común», esta forma de lucha social ha sido adoptada por muchas poblaciones alrededor del mundo en campañas en favor de la justicia social.

El profesor Gene Sharp, un líder teórico de esta filosofía, nos ofrece la siguiente definición, extraída de su obra Las Políticas de la Acción No Violenta:

«La acción No Violenta es una técnica por medio de la cual las personas que rechazan la pasividad y la sumisión pueden llevar adelante su lucha sin violencia. La acción No Violenta no es un intento por prevenir o ignorar el conflicto. Es una respuesta al problema de cómo actuar efectivamente en política, especialmente cómo ejercer el poder de manera efectiva.»

Mientras que la No Violencia es frecuentemente utilizada como un sinónimo de pacifismo, desde mediados del siglo XX el término de la no violencia ha sido adoptado por muchos movimientos para el cambio social que no se centran en la oposición a la guerra.

Un principio clave de la teoría de la no violencia es que el poder de los gobernantes depende del consentimiento de la población, por lo cual la no violencia busca disminuir ese poder a través del retiro del consentimiento y la cooperación de la población.

Existen tres categorías principales de acción no violenta:

protesta y persuasión, incluyendo marchas y conmemoraciones
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intervención no violenta, como bloqueos y ocupaciones”.

The Knotted Gun Sculpture by Swedish artist Carl Fredrik Reuterswärd on display in the UN Visitor's Plaza.

 

Información tomada de: http://www.un.org/es/events/nonviolenceday/

Juan Soriano

Juan Francisco Rodríguez Montoya, conocido como Juan Soriano (Guadalajara, México, 18 de agosto de 1920-Ciudad de México, México, 10 de febrero de 2006)1​ fue un artista plástico mexicano, llamado “El Mozart de la Pintura”, debido a que desde temprana edad demostró grandes aptitudes para la creación plástica.

A la edad de catorce años montó su primera exposición colectiva mientras participaba en el taller de Francisco Rodríguez. Lola Álvarez Bravo, José Chávez Morado y María Izquierdo llegaron a la exposición, que había quedado bajo el resguardo de Soriano. Cuando le preguntaron de quién eran unas pinturas ahí expuestas, el joven Juan respondió que eran de él. En ese momento, aquellos personajes le incitaron a irse a la Ciudad de México para poder mejorar su técnica, ya que calificaron su obra como “interesante”.

Su obra se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador. Experimentó con diversos materiales, géneros y estilos; incursionando incluso en el abstraccionismo y la creación de vestuarios y escenografías para teatro.

En el plano anecdótico, se recuerda que, cuando dejaba de tener otra superficie para pintar, lo hacía sobre las puertas de su casa, las cuales después vendía.

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Retrato de Rebeca Uribe con el ojo de Marta, 1937
Óleo sobre tela
48 x 29.5 cm

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Naturaleza muerta con vaso y calavera,
1941 -1942,
Óleo sobre tela,
60 x 85 cm.
Colección Marek Keller.

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La muerte enjaulada, 1983,
Acuarela sobre papel,
106.5 x 73.5 cm.
Colección Marek Keller.

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Apolo y las musas, 1954,
Óleo sobre tela,
135 x 200 cm.
Colección Particular.

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Obra de Juan Soriano. Premio Nacional de las Artes, Escultura en Bronce de 1990 de 4 toneladas y 6 metros de alto. En la entrada del Museo de Arte Contemporaneo de Monterrey MARCO.

 

 

Información:

https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Soriano

http://www.juansoriano.net/obra/index.html

Gustav Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. ​ Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,​ en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

“El Parque” 1909

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“Una de las muestras de la época de puntillismo del artista. A diferencia de cuadros como los de Seurat, Klimt no buscó darle perfección óptica a la obra, su libertad creativa parecía influenciada por el Romanticismo previo al Impresionismo que se gestó en su época. El cuadro es totalmente absorbente; podemos pensar en Pollock o Kusama, quienes hicieron algo parecido más de medio siglo después y Klimt continúa sorprendiendo por la elegante dimensionalidad que le dio a la pintura en su parte más baja”.

“Las tres edades de la mujer” 1905

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“Simbolista, palabra por la que Klimt fue conocido con el paso del tiempo y que dio paso a una interpretación bastante profunda de sus cuadros. Más allá de la forma y el fondo, las características de la obra de Klimt llegaban a niveles sociales, pero también universales, pues tomaba las grandes cuestiones humanas para crear un impacto real en nosotros. La pureza de la infancia, la sensualidad y consagración de la belleza en la juventud, y aunque podemos alegar a una sabiduría y plenitud, el cuerpo envejecido con la cabeza inclinada y tonos mucho más oscuros parecen hablar de la degeneración natural del cuerpo en la vejez”.

 

“Muerte y vida” 1908

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“La inevitabilidad de la muerte se entiende de distintas formas; algunos la aceptan, entienden y hasta coquetean con ella mientras que otros rehuyen, niegan y la evitan a toda costa. Parece que esas son las reacciones de las personas en éste, uno de los cuadros más famosos del pintor de la secesión vienesa. Otra de las interpretaciones que se le ha dado es que la muerte siempre está acechando, pero que nunca podrá contra el inevitable círculo de la vida que siempre se encuentra en movimiento. La Muerte, llena de cruces cristianas y con una sonrisa macabra, se contrapone en soledad contra las bellas figuras contorneadas de las personas. Un verdadero tributo a la vida por parte de Klimt”.

 

“La Virgen”  1913

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“¿Puedes encontrar sutileza y erotismo más sublime que en las pinturas de Klimt? No se puede negar que Schiele está muy cerca, pero su fuerza explícita lo llevan por un camino distinto y esta obra en la que podemos ver las distintas etapas del camino para convertirse en mujer, desembocan en lo que para muchos es el principio y el fin: el sexo. Una bella mujer cuyo rostro evoca felicidad y placer, se encuentra con las piernas abiertas cubierta por un manto lleno de los característicos símbolos del pintor y descansa entre otras mujeres que nos invitan a admirar el verdadero significado de belleza y arte”.

 

“Judith  I ”  1901

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“La cara orgásmica tras haber perpetrado un asesinato casi nunca se podría definir como algo bello o sensual, pero hablando de un mito bíblico y con el trazo de Klimt, no queda más que entregarnos a la peligrosa sexualidad que “Judith I” despide. El cuello largo, la delicada desnudez, la cara entregada al éxtasis tras haber matado al hombre que sometía a su pueblo y claro, la cabeza del enemigo; todo acompañado del oro y el negro característicos del pintor, que hacen de este cuadro un impresionante juego que contrapone el mito y la emoción”.

 

“Retrato de Adele Bloch Bauer I” (1907)

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“Tal vez el rostro es mucho más sensual en la pintura de Judith, pero la modelo aquí recibe el crédito. Adele fue a quien Klimt llegó a retratar en distintas ocasiones y en este cuadro demuestra con gracia lo que era capaz de hacer en una obra. Influenciado en la pintura egipcia, Klimt agregó sus característicos elementos dorados sin dejar fuera el naturalismo que también era común en la época; al mismo tiempo, la ornamentación contrasta fuertemente con las manos y rostros de Adele Bloch Bauer. Esta obra representa el fin de la denominada “fase dorada” de Klimt”.

 

Gustav Klimt

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Información tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Gustav_Klimt

http://culturacolectiva.com/10-pinturas-de-gustav-klimt-que-debes-conocer-ademas-de-el-beso/

Más información: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klimt.htm

 

 

 

¡Tres grandes pintores nacieron un día como hoy!

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907-ibídem, 13 de julio de 1954) fue una pintora mexicana. Su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional.3 Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su marido, el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores y pintoras mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida.

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Juan O’Gorman (6 de julio de 1905 – 18 de enero de 1982)1 fue un destacado pintor y arquitecto mexicano. O’Gorman nació en el barrio de Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. Fue hijo del pintor irlandés Cecil Crawford O’Gorman y de Encarnación O’Gorman Moreno, y hermano del historiador Edmundo O’Gorman. En los años veinte, estudió arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México.

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Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera, fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera de ingeniero arquitecto.

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José María Velasco nació el 6 de julio de 1840 en Temascalcingo, Estado de México, según se lee en su fe de bautismo, recibió los nombres de José María Tranquilino Francisco de Jesús Velasco y Gómez-Obregón. Fue un pintor paisajista.

En el año de 1889 tuvo el honor de ser comisionado por el Gobierno de México como jefe de la delegación que asistiría a Francia llevando pinturas de varios autores, para ser exhibidas en la Exposición Universal de París, con la que se conmemoraba el primer centenario de la Revolución francesa. Fueron 68 las obras que se presentaron de Velasco en esa ocasión.

En su correspondencia de esa época expresaba:

“…los cuadros míos han producido mucho efecto, agradan bastante y se han sorprendido de ver que en México se puedan pintar estas obras que juzgan de bastante mérito…[..]…mis cuadros han gustado, todos los elogian y les llaman la atención…[..]…Ayer he recibido la Condecoración de Caballero de la Legión de Honor, es una recompensa que me honra mucho y la considero como una gran distinción. Estoy muy contento de haber recibido este premio que me recompensa sobradamente el gran sacrificio de haberme separado de mi familia…”

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Información tomada de:

https://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada

Más información:

https://www.biografiasyvidas.com/buscador.htm