Los momentos clave de Disney

La empresa que hoy es dueña de Marvel, 20th Century Fox, Pixar y Lucasfilm comezó con un joven Walt Disney a quien le robaron los derechos de su primera caricatura.

Todo comenzó con el piloto de una caricatura llamada Alice’s Wonderland, el cual, un joven caricaturista de 22 años llamado Walt Disney hizo con la idea de vender una serie completa a un distribuidor, un 16 de octubre de 1923, fecha en la que el Disney Brothers Cartoon Studio inició su imperio valuado al día de hoy en 233.7 mil millones de dólares (mmdd).

La empresa que es miembro mayoritario de filiales como Marvel, 20th Century Fox, Pixar, Lucasfilm, Radio Disney, Disney Channel, Fox Networks, ESPN, Hulu y National Geographic, entre varias compañías más, encontró el inicio de su identidad con Mickey Mouse. Y aunque el famoso ratón es prácticamente el emblema de la compañía, antes de él existió Oswald the Lucky Rabbit, sin embargo, el distribuidor para el que trabajaba Walt Disney registró a sus espaldas los derechos de la caricatura, por lo que Disney aprendió la lección y a partir de entonces, se aseguró de poseer legalmente todas sus creaciones… y mucho más. Gracias a Mickey Mouse, Walt Disney comenzó a capitalizar sus creaciones. En 1930, un hombre en Nueva York le ofreció al joven caricaturista 300 dólares por la licencia para poner al popular ratón en lápices que fabricaba. Posteriormente, Mickey Mouse apareció en platos, cepillos de dientes, radios, muñecos, un libro y hasta una tira cómica en un periódico. y varios artículos más.

La película más taquillera de la época

Cuatro años después, en 1934, Walt Disney ya contaba con un equipo de animadores a quienes les relató la historia de Blancanieves y los siete enanos (1937). Les tomó tres años concluir y estrenar la película animada, la cual rápidamente se convirtió en la más taquillera de todos los tiempos , un récord que mantuvo hasta que fue superada por Gone with the Wind, en 1939.

A la primera princesa de Disney le siguieron Pinocho y Fantasía, que fueron lanzadas en 1940 y pese a ser obras maestras para la época, sus costos eran demasiado elevados, que en combinación con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la compañía se vio obligada a reducir su tamaño. A pesar de esto, Dumbo (1941) y Bambi (1942) vieron la luz con un presupuesto limitado.

Después de la guerra, Disney pudo recuperar su posición gracias las películas propagandísticas Saludos Amigos y The Three Caballeros, las cuales fueron financiadas por el Departamento de Estado de Estados Unidos.

El primer live action de Disney

Si bien este emporio ha encontrado su nueva mina de oro en los remakes en su versión live action de sus clásicos animados, fue en 1950 cuando realizó por primera vez una producción de este tipo con La Isla del Tesoro, protagonizada por Robert Newton, Bobby Driscoll, Basil Sydney, Walter Fitzgerald y Denis O’Dea.

A esta producción le siguieron otros clásicos, como La Cenicienta (1950), los especiales navideños y la serie de antologías Disneyland. Esta producción permaneció al aire durante 29 años, por lo que es la serie de televisión de mayor tiempo y audiencia en la historia de Estados Unidos.

En 1955, Disneyland pasó de ser una serie de dibujos animados al parque de atracciones más famoso del mundo,ubicado en Anaheim, California. 

“Disneyland nunca se terminaría de construir mientras quedara imaginación en el mundo”, aseguraba Walt Disney y en la actualidad existen 14 de ellos, distribuidos en Orlando, Florida; Tokio, Japón; Hong Kong, China y Shangai.

El imperio del entretenimiento

A partir de 1993 y hasta 2019, The Walt Disney Company ha adquirido 23 gigantes del entretenimiento, de acuerdo con Disney News:

– Miramax, 1993: 60 mdd
– Capital Cities/ABC/ESPN, 1995: 19 mmdd
– Starwave, 1998: no revelado
– Infoseek, 1999: no revelado
– Fox Family Worldwide, 2001: 2.9 mmdd
– Baby Einstein, 2001: no revelado
– The Muppets, 2004: 75 mdd
– CrossGen, 2004: 1 mdd
– Avalanche Software, 2005: no revelado
– Pixar, 2006: 7.4 mmdd
– Oswald the Lucky Rabbit, 2006
– Junction Point Studios, 2007: no revelado
– Marvel, 2009: 4 mmdd
– Hulu, 2009: Compra del 30% que pasará al 60% una vez concretada la fusión de Fox.
– Wideload Games, 2010: no revelado
– Tapulous, 2010: no revelado
– Playdom, 2010: 563 mdd
– UTV Software Communications, 2011: 297 mdd
– Lucasfilm (Star Wars), 2012: 4.06 mmdd
– Maker Studios, 2014: 500 mdd
– Sphero, 2014: desconocido, inversión minoritaria
– BAM, 2016-2017: 2.58 mmdd
– 21st Century Fox, 2019: 71.3 mmdd

Tomado de: https://expansion.mx/vida-arte/2019/12/05/momentos-clave-imperio-de-disney-a-118-anos-su-creador

Pablo Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo

Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881 y falleció un 8 de abril de 1973 en Mougins, Francia. Hoy para recordarlo te traemos 10 datos que seguramente desconocías sobre este grande la pintura.

1. El nombre completo del pintor constaba de 23 palabras: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso. Sin embargo, se hizo conocido mundialmente como Pablo Picasso.

“El Picador”

2. Luego de que su madre lo dio a luz, la partera creyó que estaba muerto debido a que no reaccionó al momento de nacer. Entonces, lo dejó recostado en una mesa para poder atender a su madre. Su tío, presente en el lugar, vio la situación y le tiró una bocanada de humo de cigarrillo encima, lo cual hizo reaccionar al recién nacido.

3. Su primer cuadro lo completó a la edad de 9 años y le llamó «Le Picador». Esta pintura es el retrato de un hombre junto a su caballo. A Picasso le encantaba contar anécdotas de su niñez. Entre sus recuerdos más entrañables están los primeros pasos que dio empujando una sillita o una caja de lata de galletas “Olibet”.

4. A la edad de 15 años realizó su primer obra académica. La llamó «Primera Comunión» y en ella aparece su padre, llamado José Ruiz Blasco; su madre, llamada María Picasso López; y su hermana Lola arrodillados en un altar. Se dice que pintó una serie de pinturas religiosas que nunca se atrevió a vender.

5. El primero en contratar a Picasso fue un comerciante de arte llamado Pere Menach. Menach era de París y acordó en pagarle 150 francos mensuales a cambio de su trabajo. Esa suma equivale a U$S 750 de hoy.

6. El cubismo es un movimiento creado en el año 1909 por Picasso y el artista francés Georges Braque. Sin embargo, el primero en otorgarle el nombre con el cual se haría mundialmente conocido fue Louis Vauxcelles. Este francés y critico de arte lo llamó «cubiques extraño», debido a que las pinturas estaban repletas de cubos.

7. En el año 1947, Picasso decidió afiliarse al Partido Comunista Francés como resultado de la gran indignación que sentía respecto al fascismo que se encontraba en Europa en aquella época. La Unión Soviética le otorgó dos premios: en 1950, ganó el Premio Stalin de la Paz y, en 1962, le fue concedido el Premio Lenin Internacional de la Paz. Él permaneció en el partido hasta el día de su muerte.

8. El cuadro llamado «Guernica» fue pintado entre los meses de mayo y junio de 1937. Josep Renau, Director General de Bellas Artes, pidió a Picasso este cuadro para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El objetivo era atraer la atención internacional a la causa republicana en plena Guerra Civil Española. Luego de ser exhibido en una gran cantidad de galerías de Oslo, Estocolmo y Londres, entre otras ciudades, el «Guernica» fue comprado por un español en una subasta. Sin embargo, Picasso prohibió que el cuadro volviera a España hasta que el dictador Franco dejara el poder. Recién en 1981 el Museo de Arte de Nueva York devolvió el cuadro a dicho país.

9. El libro de récords Guinness nombró a Picasso como el artista más prolífico del mundo: su colección cuenta con aproximadamente 13.500 pinturas, 100.000 impresiones, 34.000 ilustraciones y 300 esculturas.

10. Picasso ha sido el artista más robado de la historia: 350 de sus obras fueron objeto de robos.

Artículo tomado de: https://culturizando.com/en-10-datos-lo-que-no-sabias-sobre-e/

Aurora Reyes: la primera muralista mexicana

Aurora Reyes fue una gran poetisa, activista y maestra pero sobre todo destacó por ser la primera muralista mexicana.

Aurora Reyes (1908-1985), poetisa y pintora mexicana, fue la primera muralista mexicana. Nació en Hidalgo de Parral el 9 de septiembre de 1908, y fue descendiente de una familia ilustre del régimen porfirista. Su padre, el ingeniero y capitán León Reyes; su madre, la señora Luisa Flores[1]. A causa de la profesión militar de su padre, la familia debió cambiar su residencia a la ciudad de Jiménez en Chihuahua. Las imágenes que tuvo del desierto desde tan corta edad, se guardaron en su memoria y reaparecerían poco a poco en su arte. 

En el inicio de la Decena Trágica, en el año 1913, con los acontecimientos nacionales su abuelo muere frente al Palacio Nacional. Su padre, por dicho motivo debió trasladarse a la capital para asistir a los funerales, y más tarde enviaría a buscar a su familia. Como no tenían recursos, hicieron el viaje en una carreta tirada por mulas; este episodio quedó en la memoria de Aurora. Como se les consideró a ella y a su familia enemigos del régimen, no tuvo una infancia muy favorecida.
Aurora, inició sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en el año 1921. Fue ahí donde conoció a Frida Kahlo y se hicieron grandes amigas. Tanto así, que una de sus obras está dedicada a Frida. El tono erótico de la obra es símbolo de la entrañable amistad entre ambas.

Un año después fue expulsada por “haberse defendido de una prefecta que condenó los nexos de León Reyes con Diego Rivera y con maestros de San Carlos. La acusaron de “libertina y jefe de banda de ladrones”[2]. Después de esto, inició carrera de tiempo completo en la Academia de San Carlos. No terminó sus estudios; prefirió ser autodidacta. Estuvo casada con Jorge de Godoy, considerado el Oscar Wilde de su época y con el inició una familia. Más tarde ella describiría este matrimonio como “la pesadilla del matrimonio”.

 Aurora siempre vinculó el arte con la lucha social y política. Estuvo involucrada en diferentes movimientos culturales y políticos del país. También en 1935 se unió al grupo de intelectuales que conformaban la Tribuna de México, una sala de discusiones que formó a toda una generación en el libre pensamiento y en el arte de la oración y del debate. En 1936 ingresó en la LEAR (liga de escritores y artistas revolucionarios); la versión mexicana de los “frentes populares de intelectuales antifascistas” que se habían formado en varios países. En esa época realizó pintura de caballete que resaltaba el problema de los pobres desde una visión compasiva. Después se interesó por la representación de la figura humana; en el género del retrato.

Frida frente al espejo. 1946
Frida frente al espejo. 1946

También en ese año ganó un concurso que le dio la oportunidad de pintar su primer mural en el vestíbulo del Centro Escolar Revolución. A partir de ello, se le otorgó la dignidad de haber sido la iniciadora del movimiento muralista femenino del país. Aunque no se declaró feminista, sus preocupaciones parecen precursores del feminismo en México; una de sus acciones fue apoyar el derecho de la mujer al voto.

“Atentado a las maestras rurales”. Mural.

En este primer mural podemos observar la presencia de libros: símbolos del conocimiento. Billetes: símbolos de la riqueza de la burguesía, y objetos religiosos. La maestra está representada como heroína y a la vez como mártir. Se trata la educación de manera en que el espectador se enfrenta a las dificultades históricas que provocaron en la sociedad los intentos gubernamentales por erradicar la educación religiosa en las escuelas.

Aurora Reyes también fue maestra y dirigente sindical. Su compromiso social fue permanente. Impartía clases de dibujo y pintura mientras militaba en el Partido Comunista Mexicano, o ayudaba en la fundación de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios para promover el arte entre los obreros. Luchó desde el Partido Comunista por integrar al arte a trabajadores y mujeres. Sus murales dan prueba de ello ya que exaltan las luchas obreras y campesinas. 

Comprometida con la causa femenina, también dirigió su mirada a la maternidad destacando el heroísmo que la madre anónima puede alcanzar en situaciones extremas. Por ejemplo, en la obra a continuación, vemos a una madre que sostiene a su hijo, sin dejar de sostener un fusil con actitud combativa. Es una metáfora de su propia vida y situación.

Uno de sus murales más populares es Trayectoria de la cultura en México, realizado en el año 1962. En este se puede ver la historia de México en tres periodos: prehispánico, colonial, moderno.

“Trayectoria de la cultura en México”. Mural

En Presencia del maestro en los movimientos históricos de la patria vemos cómo médicos, legisladores, guerreros, campesinos, artesanos, músicos, danzantes, florecen bajo el abrigo de la educación. Es una alegoría de la educación como motor que lleva al país al progreso y a la paz.

La académica enfatizó que es de vital importancia dar a Reyes la importancia y lugar que le corresponde dentro del arte mexicano, tanto en el muralismo como en la literatura, y es que las condiciones en las que la artista realizó su obra fueron adversas, “además de que era de por sí difícil conseguir muros para pintar, ella era mujer, entonces el ambiente de la época se inclinaba a estar dominado por el sexo masculino”.

“Presencia del maestro en los movimientos históricos de la Patria”

Tomado de: https://culturacolectiva.com/arte/aurora-reyes-la-primera-muralista-mexicana

Mary Shelley

La escritora británica Mary Shelley nació el 30 de agosto de 1797. Vivió 53 años y nos dejó un gran legado en forma de ensayos, novelas, obras de teatro…

Mary Shelley (1797- 1851) fue una escritora británica, reconocida mundialmente gracias a la novela gótica Frankenstein.

Hija de la filósofa y escritora Mary Wollstonecraft (pionera del pensamiento feminista) y del filósofo y periodista William Godwin, perdió a su madre nada más nacer, pues una infección tras el parto acabó con su vida, por lo que fue criada por su padre. Al parecer sus primeros años fueron felices pero su padre, viéndose agobiado por las deudas, decidió volver a contraer matrimonio. Esta nueva esposa, la madrastra de Mary, no fue santo de su devoción y llegó a detestarla.

El padre de Mary, por su parte, le ofreció una educación de lo más variada y con contacto con gran número de intelectuales como Samuel Taylor Coleridge o Aaron Burr, antiguo vicepresidente de EE. UU. Así, Mary se educó con una mente abierta y una personalidad valiente.

Se enamoró del poeta y filósofo Percy Bysshe Shelley cuando tenía 17 años (él 22) y a pesar de que su padre estuvo en contra de la relación, acabó fugándose con Percy (quien ya estaba casado) y escapando a Francia en 1814. Lejos de vivir un matrimonio feliz, Percy tuvo un hijo con la que era su mujer a la par que ella estaba embarazada.

Finalmente su hija, nacida prematuramente, falleció, evento que sumió a Mary en una profunda depresión que no superaría hasta tener a su segundo hijo, al que llamaron William. El suicidio de la primera esposa de Percy facilitó que Mary se convirtiera en la señora Shelley.

En una casa cercana al lago de Ginebra en Cologny (Francia), la Villa Diodati, a la que habían acudido junto con Claire Clairmont, su hermanastra y Lord Byron, quien había dejado embarazada a esta, fue precisamente donde Mary concibió la idea de su novela más famosa: Frankenstein. El encierro obligado a causa de las lluvias condujo a una conversación oscura e interesante que derivó en lo que iba a ser una historia corta. Con la ayuda de Shelley, amplió el cuento hasta convertirlo en su primera novela, Frankenstein o el Moderno Prometeo, que fue publicada en 1818 y cuya magistral historia se convirtió en un clásico de la novela gótica.

A nivel personal, a Mary no se le habían acabado las desgracias. Percy murió ahogado mientras navegaba en velero y su segundo y tercer hijo murieron antes de que ella diera a luz a su último vástago. El resto de sus años de vida estarían plagados por igual de excelentes escritos a nivel profesional y de enfermedades, pues desarrolló un tumor cerebral, que acabaría con su vida el 1 de febrero de 1851 a los 53 años de edad.

Los expertos han mostrado en los últimos tiempos un interés creciente en sus últimas novelas Lodore y Falkner o en las novelas históricas Valperga y Perkin Warbeck.

Frankenstein o el moderno Prometeo

Frankenstein o el moderno Prometeo fue publicada en 1818 se considera todo un clásico dentro del género de la novela gótica y el primer texto de ciencia ficción de la literatura. En el libro, se tratan temas como la moral científica y la creación y destrucción de la vida. Fue concebido como un relato de terror y en él vemos cómo evoluciona con un concepto de carácter científico, moral y filosófico sobre el derecho del ser humano a crear vida inteligente y qué consecuencias puede acarrear una acción de tales características.

Adaptaciones cinematográficas de Frankenstein

 FRANKENSTEIN (1931) de James Whale. Protagonistas: Boris Karloff, Colin Clive, Mae Clarke y Dwight Frye.

 LA NOVIA DE FRANKENSTEIN (1935) de James Whale. Protagonistas: Boris Karloff, Elsa Lanchester.

 FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (1943) de Roy William Neill. Protagonistas: Lon Chaney Jr., Bela Lugosi, Patrick Knowles e Ilona Massey.

 LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1957) de Terence Fisher. ProtagonistaS: Christopher Lee, Peter Cushing, Hazel Court.

 FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967) de Terence Fisher. Protagonistas: Peter Cushing, Susan Denberg.

 EL HORROR DE FRANKENSTEIN (1970) de Jimmy Sangster. Protagonistas: Ralph Bates, David Prowse, Veronica Carlson y Kate O’Mara.

 FRANKENSTEIN. LA HISTORIA VERDADERA (1973) de Jack Smight. Protagonistas: Leonard Whiting, Michael Sarrazin, James Masonel, Jane Seymour, Michael Wilding, John Gielguld o Agnes Moorehead.

 FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1973) de Terence Fisher. Protagonistas:

Peter Cushing, David Prowse.

 EL JOVENCITO FRANKENSTEIN (1974) de Mel Brooks. Protagonistas: Gene Wilder, Teri Garr, Cloris Leachman, Marty Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn, Kenneth Mars, y Gene Hackman.

 FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY (1994) de Kenneth Branagh. Protagonistas: Robert de Niro, Kenneth Branagh, Helena Bonham Carter y Tom Hulce.

 VICTOR (2005) de Scott Mabbutt. Protagonistas: Jason Carter y Roger Moore.

 SEMILLA DE MALDAD (2010) de Kornél Mundruczó.

VICTOR FRANKENSTEIN (2015) de Paul McGuigan. Protagonistas: James McAvoy y Daniel Radcliffe.

El último hombre

 El último hombre en la tierra es una novela apocalíptica de ciencia ficción publicada en 1826 (cuando Mary Shelley contaba con 29 años). El libro nos cuenta la historia de un mundo del futuro que ha sido devastado por una plaga. La novela no fue muy bien recibida en la sociedad de la época (fue calificada como ‘repugnante’) y no resurgió de sus cenizas hasta bien entrado el S.XX. La obra incluye retratos semi-biográficos de Percy Bysshe Shelley, su esposo e incluso de Lord Byron.

Lodore

Lodore (o La hermosa viuda) fue publicada en 1835. La historia evidencia un gran compromiso del texto con temáticas ideológicas y políticas, centrada en la vida de la esposa y la hija del personaje que le da título a la obra, Lord Lodore. Los personajes femeninos son aquí los protagonistas. La crítica alabó esta obra por ‘profundidad y variedad de ideas’ (revista Fraser’s Magazine).

Matilda 

fue escrita entre 1819 y 1820 y relata temas como el incesto o el suicidio, por este orden. Aunque no se trata de una historia autobiográfica, los críticos han enlazado en sí misma la obra con tres personajes principales: William Godwin, Mary Shelley, y Percy Shelley. Sin embargo, son muchas las voces que se resisten a tomar este relato como autobiográfico.

La suerte de Perkin Warbeck: Un romance

La suerte de Perkin Warbeck: Un romance es una novela histórica publicada en 1830 y que narra la vida de Perkin Warbeck, un pretendiente al trono inglés durante el reinado de Enrique VII de Inglaterra quien afirmaba ser Ricardo de Shrewsbury, 1º Duque de York, pero que, en realidad, se trataba de un farsante, un flamenco nacido en Tournai en torno a 1474. Esta novela histórica hacía referencia al sistema político y la naturaleza humana, personalizado en este aspirante al trono del Rey Enrique VII. A pesar de su valor, no suele aparecer entre las obras más destacadas de Mary Shelley. Después de Frankenstein, es probablemente su novela más famosa. Debido a su contenido, no sería publicada hasta 1959.

Falkner

Falkner, publicada en 1837, es la última novela publicada por Mary Shelley. En Falkner, Shelley narra la historia de la educación de una mujer bajo la figura tiránica de su padre, de ahí que recuerde a su otra obra Loodore. Afortunadamente, es la única novela de Mary Shelley en la que la heroína sale triunfante. Así, los valores femeninos triunfan sobre los masculinos, la violencia y la destrucción.

Caminatas en Alemania e Italia

Caminatas en Alemania e Italia, en 1840, 1842 y 1843 fue publicado en 1844. Este libro de viajes fue la última de sus obras que se llevó a la imprenta. Narra dos viajes por Europa de Mary Shelley junto a su hijo, Percy Florence Shelley, y varios de sus amigos de la universidad. Los críticos alabaron su independencia de pensamiento, su gran ingenio y su pasión al hablar de política. Cuando la literatura feminista se alzó en la década de 1970, escritos de Mary Shelley como este, resurgieron con gran interés por parte del público, recordando que la autora desafió las convenciones sociales del S.XX en los que, por ejemplo, el hecho de que una mujer hablara de política estaba muy mal visto. Pero Shelley es algo más que Frankenstein, como hemos podido ver.

Artículo tomado de: https://www.muyhistoria.es/contemporanea/fotos/las-obras-mas-importantes-de-mary-shelley/la-novia-de-la-italia-moderna

Tina Modotti, Fotógrafa.

Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini, conocida como Tina Modotti (Údine, Italia, 16 de agosto de 1896  Ciudad de México, México, 5 de enero de 1942) fue una fotógrafa italiana, activista y luchadora social en México.

Hija de Giuseppe Modotti y Assunta Mondini, una de cinco hermanos. A los 12 años tuvo que abandonar la escuela y trabajar en una fábrica textil para ayudar a su familia. A los 17 años emigró a la ciudad de San Francisco. En 1915 (19 años) se casó con el poeta Roubaix de L’Abrie Richey. Después se desplazó a Hollywood, donde incursionó en el campo de la actuación, actividad recurrente en la carrera de Tina. En 1921 Tina mantiene una estrecha relación laboral con el fotógrafo Edward Weston, con quien trabajó como modelo y aprendió fotografía, siendo el inicio de la obra fotográfica de Tina.

Entre los años 1923-1930 radicó en México, siendo el lugar donde realizó la mayor parte de su obra y donde se convirtió en activista revolucionaria, asociándose al Partido Comunista Mexicano en 1927 Entabló amistad con artistas como Antonieta Rivas Mercado, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Blanca Luz Brum, Nahui Ollin, María Tereza Montoya y Frida Kahlo. Colaboró con el Partido Comunista Mexicano en 1927 . Apoyó activamente la lucha de Augusto César Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoce a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, cuando se forma el comité en apoyo a los anarquistas Sacco y Vanzetti. Asimismo apoyó a Vittorio Vidali.

En 1924 montó su primera exposición en la Ciudad de México en la que incluyó obras de Edward Weston. Formó parte del partido comunista mexicano (PCM). Durante ese periodo se dedicó a la edición y trabajó como fotógrafa para Mexican Folkways y Formas; tomando imágenes de murales, manifestaciones obreras, madres indígenas y muchos otros objetos mexicanos. Asimismo, participó junto con Weston en la elaboración de  las imágenes que ilustran el libro de Anita Brenner, Idols Behind Altars. Una vez separada de Weston, se relacionó con Vittorio Vidali, comunista, y  se casó con Antonio Mella en 1928, quien muere un año después. Deportada bajo sospecha de intento de asesinato del presidente Pascual Ortíz Rubio, se estableció en Berlín en 1930, formó parte de la Union GmbH (asociación de fotógrafos de prensa) y publicó parte de sus fotos en Der Arbeiter-Fotograf. Trabaja para el British Journal of Photography y para la Revue Mensuelle Illustré. Durante la década de los treinta, vivió en Rusia, Francia y España, donde colaboró en el periódico republicano Ayuda de Madrid.

Incansable activista, participó con Socorro Rojo y regresó a México donde muerió en un taxi a causa de un ataque al corazón. Sus fotografías fueron incluidas en la exposición Women of Photography en 1975; así como en una muestra colectiva junto con obras de Frida Kahlo presentada en Londres y Nueva York en 1982 y 1983 respectivamente.

Artículo tomado de: http://fotografica.mx/fotografos/tina-modotti/

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Tina_Modotti

Se apaga la mirada del Maestro Rafael Coronel

No fue, como era su sueño, futbolista del América. Ni contador, como era el sueño de su padre. Ni arquitecto, como comenzó a formarse. Seguir los pasos de otro fue, cosa curiosa, aquello que le dio un nombre: Rafael Coronel. Pintor.

Rafael Coronel Arroyo Fue un artista y pintor mexicano. Nació en la ciudad de Zacatecas, en 1932 y falleció el 7 de mayo del 2019. Hizo estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Ciudad de México, y luego pasó a cursar estudios en la academia High American School. A partir de 1956 ha presentado exposiciones de su obra en México, Estados Unidos, Japón, Puerto Rico y Brasil. Ha obtenido el Premio Córdoba en São Paulo, Brasil, (1965) y el Primer Premio en la Bienal de Tokio, Japón (1975).

La vocación le corría por las venas, con un abuelo que trabajaba el pincel en las iglesias y el ejemplo de ese hermano mayor, que ocupa un sitio muy propio en la pintura mexicana del siglo XX: Pedro Coronel. Lo siguió de su natal Zacatecas a la Ciudad de México, para educarse, como él, en algo que no creía siquiera que fuese una profesión (tanto despreciaba su padre la pobreza segura que prometía el oficio).

No imaginaba entonces que llegaría a trabajar en el taller de Diego Rivera por espacio de dos décadas; menos aún que se convertiría en su yerno: Rafael se casó con Ruth, la hija que el muralista tuvo con Lupe Marín, y con quien tuvo un único hijo, Juan Rafael.

Forjado en los aires nacionalistas del muralismo, Coronel terminó por unirse a las filas de La Ruptura. Su mirada anacrónica se volvió hacia el Barroco y el Renacimiento para tratar la figura humana. Sus pinturas tienen una sobriedad melancólica, e incluyen caras de los “últimos grandes amos”, flotando a menudo en una calina difusa. Rafael Coronel trabajó también el hiperrealismo y la pintura abstracta, y fue un reconocido exponente del nuevo expresionismo mexicano. Exhibió en recintos como el MoMA de NY, la Bienal de Sao Paulo, el Museo Real de Arte de Bruselas y el Museo de Arte Moderno, en México. Para celebrar su 80 años y 60 de trayectoria, el Palacio de Bellas Artes alojó la retrospectiva Retrofutura.

Le interesó retratar a los marginales: los raros, los pobres, los de belleza siniestra; los habitantes de una geografía profunda a los que despojó de “adornos” —eso que tanto criticó en su suegro, como sus alcatraces—; rostros y personajes que plasmó en el vacío, como suspendidos en el espacio claroscuro de su memoria. Nunca pintaba con el modelo enfrente.

En lo que fuera el Convento de San Francisco de Almoloyan y de Asis (edificación del siglo XVI), de la ciudad de Zacatecas, se erige un museo que lleva su nombre; en él se exhibe su vasta colección de máscaras donadas por el propio artista.

Asimismo recibió importantes condecoraciones y reconocimientos por su labor creativa a nivel internacional. Entre ellos:

  • 1952 recibe el Premio de Artes Plásticas del Instituto Nacional de la Juventud Mexicana
  • 1965 VIII Bienal de São Paulo, Brasil, en la que obtiene el Premio Córdoba al Mejor Pintor Joven Latinoamericano
  • 1974 Japón: I Bienal Internacional de Pintura Figurativa en Tokio y Osaka.
  • 1978, junto con su hermano Pedro Coronel, es declarado Hijo Predilecto por el Gobierno del Estado y la Universidad Autónoma de Zacatecas.

 

El maestro Rafael Coronel deja un legado imprescindible en la historia del arte mexicano.

“…Viajar refresca mi visión acerca de México y renueva el instinto impulsivo que me hace estar frente al lienzo, como en un confesionario, con mi pincelito, dale y dale…”

¡Hasta siempre maestro Rafael Coronel!

 

CORONEL 1

CORONEL 2

CORONEL 3

 

 

 

 

 

Tomado de:

https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Coronel

https://www.elfinanciero.com.mx/culturas/muere-el-pintor-zacatecano-rafael-coronel-arroyo

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El origen del 30 de abril como el Día del Niño en México

¿Cuál es la historia del origen del Día del Niño? México es uno de los pocos países que lo celebran el 30 de abril, cuando el resto del mundo, por recomendación del Fondo de las Naciones Unidas para la infancia o UNICEF, lo hace el 20 de noviembre. Pero ¿por qué esto es así?

El origen de esta celebración a nivel global se remonta a la Primera Guerra Mundial, conflicto de escala masiva que cambió gran parte de los paradigmas sobre la guerra entre naciones, los avances tecnológicos, la supuesta gloria del combate y sus consecuencias sobre la población civil. De 1914 a 1918, decenas de naciones se enfrentaron en combate abierto en distintos puntos del globo. De Europa a las arenas de Medio Oriente, la guerra afectó no solo a los ejércitos, sino también a los habitantes de todas las ciudades y pueblos que de pronto se vieron sumergidos en el conflicto. Fueron los miles de niños y niñas que sufrieron los estragos de los avances en las tecnologías bélicas, la inspiración para que la Sociedad de Naciones, el organismo precursor a la Organización de las Naciones Unidas (ONU), comenzara a tomar en cuenta los derechos de los niños, no solo en las guerras, sino en los tiempos de paz.

Por ello, en 1924, apenas una década después del inicio de la Gran Guerra, se redactó y firmó la Declaración de Ginebra sobre los Derechos del Niño, el primer texto que reconoció la existencia de derechos específicos para las niñas y niños, además de la responsabilidad de los adultos para asegurar su bienestar.

Este documento se basaba en cinco principios básicos, según un borrador publicado en 1923:

  • El niño debe contar con los medios para su desarrollo normal, tanto material como espiritualmente
  • El niño hambriento debe ser alimentado, el enfermo cuidado, el rezagado atendido, el delincuente corregido y el huérfano protegido
  • El niño debe ser el primero en recibir ayuda durante las emergencias
  • El niño debe ser colocado en una posición que le permita acceder a cierto nivel de vida, y debe ser protegido contra todo tipo de explotación
  • El niño debe ser concientizado de que todos sus talentos deberán ponerse en servicio de la humanidad

Los niños de la revolución

En México, sin embargo, el Día del Niño no nace del sufrimiento de los niños europeos que se vieron afectados por los sangrientos encuentros entre la Entente y los Imperios Centrales, sino del rol que jugaron durante los primeros años de la Revolución Mexicana. Ya sea como espías, mensajeros, soldados o simplemente como encargados de llevar armas y munición a los combatientes, los niños que participaron en la revolución, vieron su infancia interrumpida de tajo. Esta guerra civil también marcó a toda una generación de niños y adolescentesque años más tarde desempeñarían diferentes roles en la reconstrucción del país.

Por otro lado, se tiene constancia de que el Día del Niño fue instaurado el 8 de mayo de 1916 en la ciudad de Tantoyuca, Veracruz. Sin embargo, en menos de diez años, esta fecha fue cambiada al 30 de abril.

El origen del 30 de abril como el Día del Niño en México

Tras la publicación del documento que reconocía a nivel mundial los derechos de los niños y niñas del mundo, el entonces presidente de México, Álvaro Obregón, lo firmó comprometerse a seguir sus preceptos al pie de la letra, siendo el 30 de abril de 1924 el día en que se llevó a cabo la firma. Pasaron los años y en menos de dos décadas de la publicación de aquel documento histórico, el mundo se sumergió una vez más en las llamas de la guerra.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, la Sociedad de Naciones, que probó ser inútil frente a las intenciones expansionistas de Japón, Alemania e Italia, se disolvió para dar lugar a la Organización de las Naciones Unidas, organismo que en 1946, fundó la UNICEF para asegurarse que ningún niño sufriera las consecuencias del abandono, los conflictos bélicos, la explotación o la violencia doméstica.

Fue el 20 de noviembre de 1959 cuando los países miembro de las Naciones Unidas aprobaron la Declaración de los Derechos del Niño, con diez principios en lugar de los cinco propuestos en 1924.

A petición de la delegación de Afganistán, se adoptó el 20 de noviembre como el Día Universal de los Niños, fecha en la que los derechos de los niños y las niñas del mundo, se divulgarían tanto como fuera posible.

Sin embargo, México no celebraría el 20 de noviembre como el Día del Niño porque ese día es en el que se conmemora el inicio de la Revolución Mexicana, por lo que se decidió celebrarlo el 30 de abril.

Conmemorar este día no se trata solo de comprarles regalos a nuestros niños y niñas, sino de recordar que aún hay mexicanos menores de edad en situación de pobreza extrema o sufriendo algún tipo de explotación o abuso físico y sicológico.

México apenas tiene poco más de 18 años reconociendo los derechos de la niñez mexicana pues apenas en el año 2000, se promulgó la primera Ley de Derechos de las Niñas y los Niños, misma que en 2014 fue sustituida por otra ley que comprende al menos una veintena de derechos de los niños, las niñas, los y las adolescentes del país.

Según datos de la UNICEF, hay al menos 21.2 millones de niños, niñas y adolescentes, sumidos en la miseria, por lo que el 30 de abril no es solo una fecha para comprarles regalos a nuestros niños, sino también para recordarnos que aún queda mucho trabajo por hacer para asegurarle un futuro a nuestra generación más joven de mexicanos.

Tomado de: https://noticieros.televisa.com/especiales/dia-nino-cual-es-su-origen-y-que-se-celebra-30-abril/

Frases para conocer el pensamiento de Gabriel García Márquez

Gabriel García Márquez fue uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, no solo por haber ganado en 1982 el Premio Nobel, si no por ser el principal exponente latinoamericano del “realismo mágico”.

Y por tener una de las prosas más poéticas de la literatura, reflejada en cada una de sus frases, entre las que destacan las siguientes:

LITERATURA:

1.- “Los inventores de fábulas que todo lo creemos, nos sentimos con el derecho de creer que todavía no es demasiado tarde para emprender la creación de la utopía, donde las estirpes condenadas a cien años de soledad tengan por fin y para siempre una segunda oportunidad sobre la tierra.” (Discurso de aceptación del Premio Nobel de Literatura, Estocolmo, 1982).

2.- “Yo comencé a ser escritor de la misma forma en que me subí a este estrado: a la fuerza”. (“Yo no vengo a decir un discurso”, 2010).

3.- “Escribo para que quieran más. Creo que es una de las aspiraciones fundamentales del escritor” (Revista “Siesta”, España, 1977).

4.- “La música me ha gustado más que la literatura”. (“Juventud rebelde”, La Habana, 1988).

5.- “Una vez que hago en mis novelas la última lectura ya no me interesan, el libro es como un león muerto”. (Diario 16, Madrid, 1989).

6.- “Si uno no crea, es cuando le llega la muerte”. “Cuando no escribo, me muero; y cuando lo hago, también”. (Entrevista con Efe, Sevilla, 1994).

7.- “El gran reto de la novela es que te la creas línea por línea, pero lo que descubre uno es que ya en América Latina, la literatura, la ficción, la novela, es más fácil de hacer creer que la realidad” (La vida según…”, TVE, 1995).

8.- “La primera condición del realismo mágico, como su nombre lo indica, es que sea un hecho rigurosamente cierto que, sin embargo, parece fantástico”. (“Reforma”, México, 2000).

9.- “Como escritor me interesa el poder, porque resume toda la grandeza y miseria del ser humano” (Magazine-La Vanguardia, Barcelona, 2006).

ORTOGRAFÍA:

10.- “Hay que jubilar la ortografía, terror del ser humano desde la cuna”. “Simplificar la gramática antes de que la gramática termine por simplificarnos a nosotros”. (Discurso de inauguración del I Congreso Internacional de la Lengua Española, Zacatecas (México), 1997).

PREMIOS:

11.- “Todos los premios son muy interesantes pero si ya tuve el premio que se considera máximo en Literatura, es mejor dejar los otros galardones para los que vienen detrás o delante”. (Declaraciones realizadas en Oviedo en 1994 por la polémica generada tras decir que no quería recibir el premio Cervantes, al que fue candidato).

MEDIOS DE COMUNICACIÓN:

12.- “Si los intelectuales no despreciaran tanto la televisión, ésta no sería tan mala”. (“Juventud Rebelde”, La Habana, 1988).

13.-El periodismo es el oficio que le interesa “más en el mundo” y lo considera “como un género literario”. (“El espectador”, Colombia, 1991)

14.- “La crónica es la novela de la realidad”. (“El espectador”, Colombia, 1991)

15.- “La calidad de la noticia se ha perdido por culpa de la competencia, la rapidez y la magnificación de la primicia”.”A veces se olvida que la mejor noticia no es la que se da primero, sino la que se da mejor”. (Semanario “Radar”, Argentina, 1997)

16.- “En periodismo no se permiten los términos vagos o simples intentos. Hay que saber las palabras y los conceptos precisos”. (“El Colombiano”, Colombia, 1995)

CINE:

17.- “Mis relaciones con el cine son las de un matrimonio mal avenido, que no pueden vivir juntos ni separados”. (El País, Madrid, 1987)

18.- “No cabe ninguna duda acerca de que ya existe un cine latinoamericano, pero nosotros mismos no le hacemos caso. Hacemos las películas, pero no tenemos ni la distribución ni la exhibición, que son los dos elementos más importantes”. (“El Tiempo”, Colombia, 1991)

FIDEL CASTRO:

19.-  “Es el hombre más tierno que he conocido. Y es también el crítico más duro de la revolución y un autocrítico implacable” (Diario Pueblo, España, 1977)

20.- “Todos saben de mi amistad personal con Fidel Castro y que yo apoyo a la revolución cubana”. (Entrevista de radio. Hungría, 1992)

POLÍTICA:

21.- “Ningún dirigente político, ningún jefe de Estado oye absolutamente a nadie. De manera que tener influencia en un jefe de Estado es lo más difícil que hay en este mundo, y finalmente ellos terminan teniendo mucha influencia sobre uno”. (“Juventud Rebelde”, Cuba, 1988)

22.- “El siglo XX se ha perdido por dos dogmas contrapuestos e igualmente extremos: el socialismo y el capitalismo. El dogma de la propiedad estatal contra el de la libre empresa”. (“La Repubblica”, Italia, 1992)

COLOMBIA Y AMÉRICA LATINA:

23.- “El problema del narcotráfico es el problema de las drogas y que este problema se le está escapando, no solo a Colombia. Se le está escapando al mundo de las manos”. (Declaraciones tras mantener una reunión con el entonces presidente de EE.UU., Bll Clinton, en la Casa Blanca en 1997)

24.- “Para mí, lo fundamental es el ideal de Bolívar: la unidad de América Latina. Es la única causa por la que estaría dispuesto a morir”. (Semanario “Newsweek”, EEUU, 1996)

25.- “Llevo conspirando por la paz en Colombia casi desde que nací” (“El País”, La Habana, 2005)

26.- “¿Por qué pensar que la justicia social que los europeos de avanzada tratan de imponer en sus países no puede ser también un objetivo latinoamericano con métodos distintos en condiciones diferentes?”. (“Yo no vengo a decir un discurso”, 2010)

FAMILIA:

27.- Sobre su esposa afirmó: “Yo pude escribir todas mis obras gracias a que Mercedes se hizo cargo de los asuntos de la vida diaria como mantener la casa y pagar las cuentas cuando no teníamos con qué hacerlo, y también cuando tuvimos mucho. Cuando me meto a algunos de esos asuntos ella me dice: “No fastidies; lo único que tú sabes y debes hacer es escribir.” (Diario “Haaretz”, Israel, 1996)

PERSONAL:

28.- “Mi percepción de la mujer es mágica”. (Diario “Haaretz”, Israel, 1996).

29.- “La paz es como la felicidad. Se dispone solamente a plazos y se sabe lo que se tenía después de que se ha perdido”. (Diario “Die Welt”, Alemania, 1988).

30.- “La fama estuvo a punto de desbaratarme la vida, porque perturba tanto el sentido de la realidad como el poder” (Magazine-La Vanguardia, Barcelona, 2006).

san Valentín ¿Por qué se usan corazones en esta celebración?

Descubre un poco acerca del origen del uso del corazón como símbolo del amor y de la fiesta de San Valentín.

Como órgano vital de la fisiología de las personas, el corazón representa un elemento fundamental en la vida humana y forma parte de la representación visual en casi todas las regiones del mundo.

Al músculo más importante que tenemos se le relaciona, más allá de su función básica de bombear la sangre que corre por nuestro cuerpo y permitir las funciones vitales del cuerpo, con las emociones más profundas, con el alma y los sentimientos afectivos… también con la fuerza y el temple.

Por ello es que en las civilizaciones prehispánicas del continente americano se le daba importancia a este órgano y se entregaba en ofrenda a las deidades a través de sangrientos ritos. Pero han sido muchas otras las culturas que han adoptado este símbolo cuya imagen ha sido estilizada hasta perder semejanza con la forma real que este elementos fisiológico contiene.

Griegos, egipcios y romanos fueron otras culturas de la antigüedad que le dieron importancia a esta imagen, pero fue hasta la Edad Media de Europa, cuando ya estaba instaurada la fe cristiana de manera clara,  que se le dio un verdadero sentido metafórico al corazón para relacionarlo con el amor, la bondad y demás virtudes que los seres humanos son capaces de poseer y expresar.

Fue en siglo XIII que se usó, en una novela literaria francesa, una ilustración que muestra a una mujer que ofrece a su ser amado una pera que representa un corazón y, con él, el afecto.

Y fue hasta la época victoriana, en la Inglaterra del siglo XVII, que comenzó a consolidarse el uso de este símbolo en imágenes de felicitación a propósito de la celebración de San Valentín. A partir de ahí, este símbolo comenzó a estilizarse primero con lazos y adornos y después se simplificó su imagen para contar con la acostumbrada y rojiza apariencia que hoy posee…

Tomado de: https://www.paredro.com/san-valentin-por-que-se-usan-corazones-en-esta-celebracion/