Somos la especie más peligrosa de la historia.

La actividad humana está destruyendo la naturaleza, provocando una aceleración alarmante de la extinción de especies animales y vegetales.

Los líderes mundiales prometen acciones para abordar el problema. ¿Pero será suficiente?

¿Qué es la biodiversidad y por qué es importante?

La biodiversidad es la variedad de seres vivos de la Tierra y los ecosistemas a los que pertenecen, que aportan oxígeno, agua, alimentos y otros innumerables beneficios.

Recientemente, un conjunto de informes y estudios han alertado sobre el estado actual de la naturaleza.

El año pasado, un panel intergubernamental de científicos dijo que un millón de especies de animales y plantas se encontraban en peligro de extinción.

Y este mes, un informe concluyó que las poblaciones mundiales de mamíferos, aves, peces, anfibios y reptiles se redujeron en un 68% en promedio entre 1970 y 2016.

¿Estamos presenciando una era de extinción?

La comunidad científica ha advertido que estamos viviendo la sexta extinción masiva y que lo que hagamos ahora probablemente definirá el futuro de la humanidad. 

Una de las cinco extinciones masivas que sufrió la Tierra fue el impacto de un asteroide que acabó con los dinosaurios y muchas especies marinas.

“No tenemos tiempo para esperar. La pérdida de la biodiversidad, la pérdida de la naturaleza, está a un nivel sin precedentes en la historia de la humanidad“, asegura Elizabeth Mrema, secretaria ejecutiva del Convenio sobre la Diversidad Biológica.

“Somos la especie más peligrosa de la historia mundial”.

Los seres humanos están ocasionando la extinción de otras especies mediante la caza, la pesca excesiva y la tala de bosques.

Somos casi enteramente responsables de la extinción de varias especies de mamíferos en las últimas décadas, según un estudio reciente publicado en la revista especializada Science Advances.

Y las predicciones sugieren que se perderán otras 550 especies de mamíferos este siglo, si continuamos por el camino actual.

¿Cómo nos salimos del camino de la destrucción?

Abandonar el modelo devastador que hemos adoptado requerirá grandes cambios.

En la Cumbre de Biodiversidad de la ONU, que tuvo lugar el pasado 30 de septiembre en Nueva York, el secretario general de la organización, Antonio Guterres, aseguró que “la humanidad está librando una guerra contra la naturaleza y necesitamos reconstruir esta relación”.

¿Cuál es el plan para el futuro?

Se insta a que los países firmen un acuerdo que sería para la biodiversidad lo que el acuerdo climático de París fue para el cambio climático.

Esto entra en lo que se conoce como el Convenio sobre la Diversidad Biológica (CDB), un tratado internacional acordado en la denominada “Cumbre de la Tierra”, celebrada en Brasil en 1992.

Este acuerdo tiene tres objetivos: la conservación de la diversidad biológica; el uso sostenible de sus componentes; y el reparto justo y equitativo de los beneficios derivados de la utilización de los recursos genéticos.

Los países tenían hasta este año para alcanzar las metas establecidas hace una década, que van desde detener la extinción hasta reducir la contaminación y preservar los bosques. 

A pesar de que se lograron algunos avances, no se alcanzaron ninguno de los objetivos.

Ahora, los líderes mundiales están siendo llamados a firmar un pacto para salvar la biodiversidad del planeta a través de un plan que pone a la vida silvestre y al clima como una prioridad.

Según la comunidad científica, no es demasiado tarde para revertir el declive de la naturaleza, pero hace falta mucho compromiso y que las promesas sean cumplidas.

Artículo tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-54370833

Georges Braque

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 13 de mayo de 1882 – París, 31 de agosto de 1963) fue un pintor y escultor francés. Uno de los iniciadores del cubismo junto a Pablo Picasso.

El pintor francés Georges Braque ha escrito, junto con Picasso, uno de los capítulos más significativos de la historia del arte moderno: la invención del cubismo.

En sus comienzos, siguiendo la tradición familiar, aprendió el oficio de pintor-decorador de paredes en El Havre. En 1900 se trasladó desde Normandía a París, donde estudió por un tiempo en la Académie Humbert, a la que también asistían Francis Picabia y Marie Laurencin, y se inició artísticamente en la pintura de paisaje. En la capital francesa tuvo la oportunidad de conocer la obra de André Derain y Henri Matisse en el Salon d’Automne de 1905. Pasó el verano de 1906 en Amberes, con Othon Friesz, y en el otoño de ese mismo año encaminó sus pasos a L’Estaque, en busca de las huellas de Cézanne. Allí, su paleta se fue haciendo más brillante contagiado por los jóvenes fauves, con quienes expuso en el Salon des Indépendants de 1907. Ese mismo año conoció al marchante Daniel-Henry Kahnweiler y, a través de Guillaume Apollinaire, a Pablo Picasso. La contemplación de Les Demoiselles d’Avignon, cambió el rumbo de su pintura. Desde ese momento hasta 1914, Picasso y Braque trabajaron en estrecha colaboración y sentaron las bases del nuevo lenguaje cubista.

Hacia 1912, para intentar evitar la pérdida de contacto con el mundo visible en que había derivado el cubismo, Braque comenzó a pintar algunas zonas en trompe l’oeil imitando el mármol o la madera y rescatando el oficio de pintor-decorador que había aprendido de su padre. Más tarde, dio un paso más al pegar en sus composiciones etiquetas, pedazos de papel pintado o recortes de periódico reales. Estos papiers collésse convirtieron en otra de las revolucionarias novedades introducidas por Braque y Picasso en el arte moderno. 

Movilizado durante la guerra le hirieron en la cabeza, igual que a Apollinaire, aunque sin las trágicas consecuencias que tuvo en el caso de su amigo. Hasta la década de 1940 se mantuvo fiel a la estética cubista, aunque mucho más suavizada tanto en sus formas como en su colorido. 

En sus cuadros de los Ateliers, que centraron su producción pictórica del final de su vida, hizo una recapitulación de sus temas preferidos. Con ellos Braque alcanzó uno de los puntos álgidos de su carrera.

“Marina L’ Estanque 1906. Óleo sobre lienzo. 59×72.4 cm.
“El Parque de Carrieres-Saint Denis”. 1909 Óleo sobre lienzo 38.5×46.5 cm.
“El Mantel Rosa” 1938 óleo sobre lienzo 87.5×106 cm.
“Mujer con mandolina” 1910 óleo sobre lienzo 80.5×54 cm.

Artículo tomado de: https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/braque-georges

Misteriosa Pandemia

La misteriosa pandemia que dejó a millones de personas como estatuas vivientes durante décadas

En la década de 1920, una extraña epidemia se cobró la vida de alrededor de un millón de personas y dejó a otros casi cuatro millones más en lo que parecía ser un estado catatónico durante décadas, incapaz de hablar o moverse independientemente. 

Eran como estatuas vivientes. 

Los pacientes se quedaron así durante décadas, hasta que, a fines de la década de 1960, un experimento médico los “despertó”. 

El experimento conocido con el nombre de “Despertares” cambió nuestra comprensión de las condiciones neurológicas, y revolucionó la atención al paciente.

Dormidos

Justo después de la Primera Guerra Mundial, en 1917, y hasta alrededor de 1927, la curiosa epidemia se extendió por todo el mundo.

Su origen era un misterio, pero se trataba de una enfermedad que atacaba el cerebro, dejando a sus víctimas sin palabras y sin movimiento voluntario.

En Suiza, una novia se quedó dormida en el altar; en Francia, ni siquiera los dolores de parto despertaron a una madre“, informaba la BBC cuando apenas estaba dando sus primeros pasos. 

El conjunto de síntomas había sido descrito varias veces en el pasado, incluso por Hipócrates, el gran médico de la Antigua Grecia, que lo denominó lethargus” y lo detalló diciendo: “fiebre, temblor, gran debilidad física con conservación de la inteligencia, que afecta a individuos mayores de 25 años, sobre todo en épocas frías y que puede generar la muerte por pulmonías terminales”.

En el albor del siglo XX y también de la neurología como disciplina científica, la enfermedad recibió el nombre de encefalitis letárgica o “enfermedad del sueño, y quien escribió el manuscrito más preciso sobre ella fue el austríaco Constantin von Economo.

“…desde Navidad, hemos tenido la oportunidad de observar una serie de casos en la clínica de psiquiatría que no satisfacen los criterios de nuestros diagnósticos habituales. A pesar de ello, muestran una similitud en la forma de inicio y su sintomatología que nos fuerzan a agruparlos en una sola entidad clínica”, escribió el médico. 

Quienes sobrevivieron quedaron congelados en el tiempo, atrapados en cuerpos casi sin vida durante años.

“¿Habrá alguien vivo adentro?”

En 1966, Oliver Sacks, un joven neurólogo británico, llegó al Hospital Beth Abraham en el Bronx, Nueva York, donde había decenas de pacientes con encefalitis letárgica.

“Nunca había visto algo así: tantos de esos extraños pacientes inmóviles, a veces aparentemente congelados en posiciones raras, y uno se preguntaba: ¿qué está pasando? ¿habrá alguien vivo adentro?”, le dijo Sacks a la BBC en los años 70.

Saks comenzó a observar a sus nuevos pacientes y notó que había signos de conciencia… particularmente cuando una ayudante en el hospital tocaba el piano para los residentes.

“Lo que vio es que si ella tocaba una melodía, algunos se levantaban y bailaban. Así que había algo de la música que penetraba y estimulaba su sistema motor hasta el punto de ponerse en acción… Y le pareció asombroso: no podía entender cómo era posible”, recuerda la doctora Concetta Tomaino, directora y cofundadora del Instituto de Música y Función Neurológica en Nueva York.

Una solución musical

En la década de 1970, Tomaino recién comenzaba su carrera en musicoterapia, que en ese entonces era una nueva área de investigación.

“Oliver Sacks me escribió una nota en la que decía: ‘Cada enfermedad es un problema musical, cada cura, una solución musical’. 

“Despertó mi curiosidad y pregunté quién era, y la gente me dijo: ‘Es un loco británico excéntrico que escribe las notas médicas más sorprendentes; deberías conocerlo'”.

Connie Tomaino y Oliver Sacks comenzaron una asociación laboral que fue pionera en la musicoterapia y los efectos neurológicos de la música.

“Los pacientes parecían catatónicos, parecía que estaban en un estado semivegetativo pero cuando los acercaba a la música, veías que estaban mentalmente presentes: podían tocar el tambor con ritmo o cantar incluso si no podían hablar”.

Un milagro

Antes de que Connie Tomaino llegara al hospital Beth Abraham, Oliver Sacks había comenzado un experimento con un nuevo medicamento que se usa para tratar a las personas con la enfermedad de Parkinson.

Pensaba que la “enfermedad del sueño” podía ser una forma extrema de Parkinson. Les dio el medicamento, L-Dopa, y los efectos fueron en algunos casos inmediatos, y dramáticos.

“Lola había pasado décadas en estado catatónico y su despertar ocurrió en segundos. Saltó de la silla y empezó a conversar. Fue una escena increíble y yo dudaría de mi propia memoria, de no ser porque está respaldada por lo que todos los demás recuerdan”, recordó Sacks.

Parecía un milagro. Los pacientes del doctor Sacks podían hablar, caminar y sentir alegría de nuevo. 

“La atmósfera del pabellón en el hospital era como la de un carnaval, una fiesta. Era un sentimiento de euforia: la gente se enamoraba, quería salir y hacer cosas, explorar el mundo. De verdad había una sensación de magia y milagros… y probablemente una expectativa algo alarmante”, contó el neurólogo.

Muchos habían contraído la enfermedad del sueño cuando eran niños, y se habían despertado como adultos de mediana edad y en un mundo completamente distinto.

“Cuando lograron entender cuánto tiempo había pasado, se sintieron casi atemorizados y estupefactos. Algunos estaban amargados por haber perdido tanto tiempo, pero la mayoría quería vivir cada segundo que tenían”, le dijo a la BBC Tomaino, y añadió, riendo: “A veces eso era todo un desafío para el personal del hospital”.

Sacks, por su parte, “se sentía muy responsable de ellos y a veces se preguntaba si había hecho lo correcto, porque ¿quiénes eran ahora que estaban despiertos?”, señala la terapeuta.

Fin de la magia

La euforia fue de corta duración. La L-Dopa comenzó a perder su efecto. Después de unas pocas semanas, en algunos casos, el medicamento dejó de funcionar y la salud de los pacientes del doctor Sacks se empezó a deteriorar. 

Algunos retuvieron más funciones que otros, pero ninguno volvió a recuperarse por completo.

Durante ese breve período del despertar, Sacks había alentado a sus pacientes a describir cómo había sido vivir en un limbo inmóvil; sus testimonios más tarde fueron invaluables para comprender muchas afecciones neurológicas.

Tomanino fue una de las que leyó los diarios que escribieron.

“Describían lo horrible que era el cuidado cuando estaban incapacitados, y eso me ayudó cambiar la forma en que los tratamos”.

la música siguió siendo una solución.

“Recuerdo a una paciente, Lola, a quien le encantaba cantar y bailar. Pero cuando se desmejoró, no tenía control de su lengua ni sus manos. Sin embargo, cuando tocaba el tambor y podía llevar el ritmo con la voz, lo hacía tan bien que lo disfrutaba y terminaba siempre riéndose a carcajadas. 

“Lilian era un poco más autista y lo que le gustaba era el aspecto más intelectual de la música. Le encantaba Rachmaninoff y cuando lo escuchaba, movía sus dedos como si estuviera tocando piano”.

Lo que Connie Tomaino y Oliver Sacks estaban descubriendo por medio de la investigación práctica y la observación era innovador, pero en ese momento algunos científicos lo trataron con escepticismo.

“En la década de 1980, los neurólogos no creían que alguien pudiera recuperarse de una lesión cerebral, y sin embargo, nosotros podíamos ver los cambios ante nuestros ojos”.

Investigaciones posteriores han demostrado que la musicoterapia puede mejorar e incluso ayudar a reparar el daño cerebral.

“La música es tan compleja -tono, ritmo, patrones complejos de sonidos ocurriendo simultáneamente-, si ves el cerebro cuando está escuchando una melodía, muchas de sus redes se excitan y esas redes son compartidas por otras formas de funciones cognitivas.

Esa es la belleza de la música: permite que algo de esas funciones del área en la que ocurrió el daño retorne”, declara Tomaino.

Oliver Sacks publicó varios libros, incluso uno llamado “Los despertares”. Murió en 2015., Connie Tomaino se convirtió en una líder internacional en musicoterapia.

Tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-50736427

Penacho de Moctezuma ¿cómo acabo en Austria?

2021 es el año que México ha elegido para mostrar al mundo con orgullo algunos de sus más preciados y fascinantes tesoros prehispánicos. 

Pero, sobre todo, lo que intentarán sus autoridades es que los mexicanos puedan disfrutar en su propio país de antiguos códices, máscaras y otras piezas culturales y arqueológicas consideradas clave en su historia.

La fecha no fue elegida al azar. El año que viene, el gobierno de México conmemorará los 200 años de su independencia, los 500 de la conquista por parte de España y los 700 de la fundación de Tenochtitlán, capital del imperio mexica.

El problema es que muchas de estas obras se encuentran en otros países como consecuencia del “saqueo” de patrimonio histórico sufrido en el pasado.

Pero entre las obras más ansiadas y reclamadas por México sobresale una que permanece desde hace siglos en Austria: el penacho del México Antiguo, más conocido como penacho de Moctezuma.

Esto, pese a que especialistas en conservación -incluidos expertos mexicanos- ya advirtieron hace años que trasladar la pieza entre países sin que se deteriore es algo prácticamente imposible.

¿Cómo acabó en Austria?

Su sobrenombre se debe a la teoría más extendida sobre su origen: que el penacho fue un regalo de Moctezuma a Hernán Cortés a la llegada del español a las costas del golfo de México a inicios del siglo XVI.

Esto, según expertos, descarta la idea de que esta pieza concreta -compuesta por plumas de quetzal y otras aves montadas sobre una base de oro y piedras preciosas- fuera víctima de pillaje por parte de las tropas del conquistador español.

Es obvio que durante la Conquista hubo saqueos, pero en este caso no podemos hablar de un robo porque fue parte de un obsequio con un propósito muy específico”, señala Iván Escamilla,profesor del Instituto de Investigaciones Históricas de la Universidad Autónoma de México (UNAM).

“La idea de que esto se tenga que recuperar para hacer, de alguna manera, ‘justicia’… no tiene tanto sentido en este caso”, le dice a BBC Mundo el investigador experto en historia colonial.

Aunque Moctezuma le hubiera obsequiado el penacho a Cortés para entablar relaciones, no está comprobado que hubiese sido realmente utilizado por el líder azteca.

Expertos sostienen que es más probable que este tipo de objeto fuera utilizado por sacerdotes en ceremonias en lugar de por emperadores, quienes solían usar diademas de oro con una pieza triangular al frente.

“No hay ninguna indicación escrita o visual que indique que Moctezuma usara ese tocado en concreto. Citarlo como si fuera un bien personal de él, es un error”, apunta Escamilla.

Pero la mayor incógnita sobre la historia del penacho es, sin duda, saber cómo y cuándo exactamente llegó hasta Austria.

Una de las principales hipótesis destaca el origen austríaco de la familia Habsburgo a la que pertenecía el rey Carlos I de España y V de Alemania, a quien Cortés le hizo llegar el penacho. Esto podría ser uno de los factores para que la pieza acabara en ese país europeo.

Tras llegar a manos de la Corona española, Escamilla admite que hay “un hueco en la historia del penacho”, hasta que a finales del siglo XVI la pieza fue localizada como parte de la colección propiedad del archiduque Fernando II de Habsburgo, quien era pariente de Carlos I.

Sin embargo, no es hasta el siglo XIX que se identifica y se atribuye su procedencia a México, a donde nunca regresó. 

Desde hace años, está considerada la pieza más relevante y estudiada en el Museo del Mundo de Viena, la capital austríaca.

¿Podrá volver a México?

En la actualidad, la opción más cercana y accesible para los mexicanos que quieren conocer el emblemático penacho es gracias a la réplica que se exhibe en el Museo de Antropología de Ciudad de México.

El artista que creó la copia en 1940 tuvo que recurrir a imágenes de archivo, ya que no tuvo acceso a la obra original. Pero México no se rindió y siguió tratando de conseguirla.

En 1991, el gobierno mexicano reclamó a Austria su devolución. Veinte años más tarde, matizó su oferta y le ofreció intercambiarlo temporalmente por la carroza del emperador Maximiliano de Habsburgo y segundo emperador de México que se exhibe en la capital del país.

Sin embargo, una restauración del penacho a cargo de especialistas mexicanos y austríacos entre 2010 y 2012 concluyó que el frágil estado de la pieza no permitía su traslado de ninguna manera.

Su curador, Gerard van Bussel, le reiteró a la agencia Efe que la pieza no podrá ser trasladada a México en al menos diez años, ya que cualquier vibración “en el aire o la carretera lo destruiría”.

Preguntado sobre si es un mayor valor lo que explica el gran interés que parece existir por el penacho de Moctezuma respecto al resto de piezas en el exterior, Escamilla niega que sea más valioso que algunos de los códices que permanecen en bibliotecas europeas.

“Pero, en los siglos XIX y XX, el penacho cobró una serie de connotaciones y valores, y para mucha gente terminó representando la grandeza de las civilizaciones mesoamericanas que se supone son la raíz de la nacionalidad mexicana”, dice.

Artículo tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-54534222

Waldemar Haffkine, el brillante pionero de las vacunas que el mundo olvidó.

Trabajando en Francia e India a principios del siglo XX, el científico ucraniano Waldemar Mordecai Haffkine creó las primeras vacunas del mundo contra el cólera y la peste. Pero un envenenamiento masivo accidental descarriló su vida.

En la primavera de 1894, Waldemar Haffkine viajó a Calcuta, en el estado indio de Bengala, en busca del cólera. Era la temporada en la que esa infección se tomaba la ciudad y el científico estaba en busca de casos.

Ya había estado en India el año anterior, armado con lo que creía que era una vacuna para la enfermedad, pero tuvo dificultades para probar su creación. Como no era médico, sino zoológo, se topó con el escepticismo y la resistencia de parte de los médicos británicos y del público indio. Pero en esta ocasión tuvo otra oportunidad.

Fue invitado a Calcuta para ayudar a identificar el bacilo del cólera en un tanque de agua en uno de los barrios marginales de la ciudad. Las familias que vivían en estos barrios bebían colectivamente de las fuentes de agua compartidas, lo que las hacía vulnerables a brotes periódicos de cólera.

Para Haffkine, los barrios pobres eran un laboratorios naturales para su vacuna.

En cada hogar, tenía un grupo de personas que vivían en idénticas condiciones, igualmente expuestas al cólera. 

Si podía inocular a algunos miembros de cada familia y dejar otros sin tratar, finalmente podría obtener algunos resultados significativos. A finales de marzo, dos personas murieron de cólera en el barrio de Kattal Bagan, lo que indicaba un nuevo brote. 

Haffkine fue al barrio e inoculó a 116 de los aproximadamente 200 habitantes. Posteriormente, su pequeño equipo observó 10 casos más allí, siete fatales, todos entre los no inoculados.

Los resultados fueron lo suficientemente alentadores para que la autoridad de salud de Calcuta financiara un ensayo más amplio.

“Lo que es notable es que después de la resistencia inicial, la gente comenzó a hacer cola en los barrios marginales de Calcuta para recibir la vacuna contra el cólera de Haffkine; hacían fila durante todo el día”, dijo el profesor Pratik Chakrabarti, presidente de Historia de la Ciencia y la Medicina de la Universidad de Manchester, Reino Unido.

“Haffkine fue la primera persona que llevó ese tipo de medicina de laboratorio a un país tropical como India”, dijo Chakrabarti.

Pero a diferencia de Edward Jenner (creador de la vacuna contra la viruela) antes que él y de Jonas Salk (vacuna contra la polio) después, el nombre de Haffkine nunca entró realmente en el imaginario del público, ni en India ni en Europa.

Experimentos

Antes de llegar a India, Haffkine había ocupado el puesto de asistente bibliotecario en el instituto Louis Pasteur, en París, entonces el principal centro mundial de investigación en bacteriología. 

En su tiempo libre de la biblioteca, Haffkine tocaba el violín o experimentaba en el laboratorio de bacteriología.

Sobre la base del trabajo de Pasteur y Jenner, Haffkine descubrió que al pasar los bacilos del cólera a través de la cavidad peritoneal de los conejillos de indias (39 pases en total) podía producir un cultivo de cólera reforzado o “exaltado”, que luego podía atenuar con calor. 

Una inyección de la bacteria atenuada, seguida más tarde de una inyección de la bacteria exaltada, pareció inmunizar a los conejillos de indias contra un ataque letal de la enfermedad.

Una semana después de su éxito con los conejillos de indias en París, Haffkine replicó los resultados con conejos y luego con palomas y quedó listo para ensayar con humanos.

El 18 de julio de 1892, Haffkine arriesgó su vida inyectándose cólera atenuado. Sufrió fiebre durante varios días, pero se recuperó por completo y pasó a inocular a tres amigos rusos y luego a varios otros voluntarios. 

Cuando ninguno de ellos sufrió una reacción peor, Haffkine se convenció de que tenía una vacuna viable para realizar pruebas más amplias.

Pero necesitaba un lugar plagado de cólera para realizar grandes ensayos en humanos. En 1893, Lord Frederick Dufferin, entonces embajador británico en París y exvirrey de la India, le sugirió que fuera a Bengala.

Los experimentos de Haffkine en Calcuta en 1894 arrojaron resultados prometedores. Según sus registros, para el otoño de 1895, había inoculado a casi 42.000 personas contra el cólera.

Pero en 1896 se desató un problema más acuciante en Bombay que alejaría a Haffkine del cólera para siempre.

Vacuna contra la peste

La tercera pandemia de peste del mundo comenzó en Yunnan, China en 1894. Se extendió hasta el Hong Kong británico y desde allí, en un barco mercante, a Bombay en lo que entonces era la India británica, donde en septiembre de 1896 se descubrió el primer caso.

El gobernador pidió ayuda a Haffkine. 

Haffkine viajó a Bombay, donde se instaló en una pequeña habitación y un pasillo, con un empleado y tres asistentes no capacitados, y se le asignó la tarea de crear la primera vacuna contra la peste del mundo desde cero.

“Sabía que desarrollar una vacuna contra la peste a un ritmo récord lo convertiría en un científico líder de su tiempo”, dijo Chandrakant Lahariya, epidemiólogo de Delhi.

En diciembre, Haffkine inoculó con éxito conejos contra un ataque de peste, y en enero de 1897 estaba listo una vez más para probar una nueva vacuna contra una enfermedad mortal en un ser humano.

El 10 de enero de 1897, Haffkine se inyectó. Experimentó una fiebre intensa, pero se recuperó después de varios días.

A fines de ese mes, se produjo un brote de peste en una cárcel de Bombay y Haffkine fue allí para realizar pruebas controladas. 

Inoculó a 147 presos y dejó 172 sin tratamiento. Hubo 12 casos y seis muertes entre los no tratados y solo dos casos y ninguna muerte entre los tratados.

El aparente éxito en la cárcel de Byculla desencadenó una rápida expansión de la producción y las pruebas y Haffkine fue trasladado de su pequeño laboratorio de una sola habitación a un búngalo del gobierno, y luego a una gran casa de campo propiedad del líder espiritual Aga Khan, quien también se ofreció como voluntario, junto a miles de miembros de su comunidad Khoja Mussulman, para la vacunación.

En el transcurso de un año, cientos de miles de personas habían sido inoculadas con la vacuna de Haffkine, con lo que se salvaron un número incalculable de vidas.

Fue nombrado caballero por la reina Victoria, y en diciembre de 1901 fue nombrado director en jefe del Laboratorio de Investigación de la Plaga en la Casa de Gobierno en Parel, Bombay, con nuevas instalaciones y una plantilla de 53 personas.

Entonces ocurrió un desastre.

Botella contaminada

En marzo de 1902, en el pueblo de Mulkowel en Punjab, 19 personas murieron de tétanosdespués de ser inoculadas con la vacuna de Haffkine. Los otros 88 inoculados estaban bien. Toda la evidencia parecía apuntar a una contaminación fatal de la botella 53N, preparada 41 días antes en el laboratorio de Parel.

Una comisión del gobierno indio investigó el caso y, en 1903, concluyó que la botella 53N debía haber sido contaminada en el laboratorio de Haffkine en Parel. Haffkine fue despedidocomo director del laboratorio.

Deshonrado por el veredicto, Haffkine dejó India y viajó a Londres.

“Había muchos prejuicios en esos días”, dijo la doctora Barbara Hawgood, profesora que publicó un artículo académico sobre la carrera de Haffkine. “No era médico, así que no era uno de ellos. Había mucha arrogancia en eso”.

Eli Chernin, profesor de salud pública de Harvard que estudió la correspondencia de Haffkine, escribió que “no era evidente a partir de los archivos que Haffkine fuera abiertamente víctima del antisemitismo”, pero “sería ingenuo pensar que la burocracia eduardiana no estaba influenciada por el hecho de que Haffkine fuera judío”.

Y Haffkine enfrentó batallas más pequeñas y privadas, según Chernin, como luchar por expresarse en inglés.

En 1904, dos años después de la suspensión de Haffkine, la peste alcanzó su punto máximo en India, matando a 1.143.993 personas ese año. 

La vacuna de Haffkine era la “principal línea de defensa”, dijo Hawgood, pero su creador estaba atrapado en Londres defendiendo su buen nombre.

Cuatro años después de Mulkowal, en 1906, el gobierno indio finalmente publicó su investigación completa y declarando a Haffkine culpable. 

“Grave injusticia”

Al leer los documentos en ese entonces, WJ Simpson, profesor del King’s College de Londres, escribió una carta al British Medical Journal argumentando que la evidencia apuntaba a una contaminación accidental de la botella 53N en el lugar de vacunación en Punjab.

Quizás lo más importante es que los documentos revelaron que el asistente que abrió la botella 53N dejó caer sus pinzas al suelo y no las esterilizó adecuadamente antes de usarlas para quitar el tapón de corcho.

Haffkine había sido objeto de una “grave injusticia”, concluyó Simpson. Después de que se publicó su carta, otros asumieron la causa de Haffkine.

En cuatro cartas a The Times, Ronald Ross, premio Nobel de Medicina en 1902, acusó a los británicos de “desprecio por la ciencia” y advirtió que a menos que se revocara la decisión contra Haffkine, el gobierno de India sería culpable de una “gran ingratitud hacia uno de sus mayores benefactores”.

Ross lanzó otra advertencia, que sonaría muy actual hoy: si se mantenía la conclusión de que la botella 53N había sido contaminada en el laboratorio, amenazaba con socavar la confianza del público en las vacunas en un momento en que al menos 50.000 personas morían cada semana por la peste.

Haffkine fue exonerado en noviembre de 1907, después de que la campaña de Simpson y Ross llevara el asunto al parlamento británico.

Haffkine regresó a India como director en jefe del Laboratorio Biológico de Calcuta.

Volvió a estudiar el cólera brevemente y se interesó en desarrollar una nueva vacuna “desvitalizada“, un método que luego sería ampliamente utilizado. Pero su redención estaba incompleta: se le prohibió realizar pruebas, lo que lo limitó a la investigación teórica.

En 1914, a los 55 años, Haffkine abandonó el país. El desastre de Mulkowal le había causado un daño duradero.

Regreso a Francia 

Entre 1897 y 1925, se enviaron desde Bombay 26 millones de dosis de la vacuna contra la peste de Haffkine. 

Las pruebas de la eficacia de la vacuna mostraron una reducción de la mortalidad de entre un 50% y un 85%. 

Pero “no se puede calcular el número de vidas que salvó”, dijo Hawgood. “Las cifras son simplemente enormes”.

Haffkine regresó a Francia y dedicó su vida a su fe, se volvió cada vez más ortodoxo y creó una fundación para promover la educación judía en Europa del Este.

Científico inspirador

Haffkine murió en 1930, a los 70 años. Un breve obituario distribuido por la Agencia Telegráfica Judía señaló que su vacuna contra la peste había sido “adoptada en toda India” y que su laboratorio había “enviado muchos miles de dosis a varios países tropicales”. 

El obituario también citaba a Lord Lister, el gran bacteriólogo británico y pionero de la cirugía antiséptica, quien llamó a Haffkine, simplemente, “el salvador de la humanidad”.

“Inspiró a muchos científicos a investigar las vacunas a principios del siglo XX, pero de alguna manera sus contribuciones fueron olvidadas. Nunca debemos olvidar que Haffkine hizo una vacuna viable en un laboratorio de dos habitaciones con un equipo muy pequeño. Es casi increíble”, dijo Chandrakant Lahariya.

El nombre de Haffkine sí vive de manera prominente al menos en un sentido. En 1925, cinco años antes de su muerte, algunos de sus partidarios presionaron al gobierno indio para que cambiara el nombre del laboratorio de Parel por el de “Instituto Haffkine“. El nombre permanece hasta el día de hoy.

Waldemar Haffkine

Artículo tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-55269438?at_custom3=BBC+Mundo&at_custom2=twitter&at_custom4=2B207BD6-3B8F-11EB-92C4-F9460EDC252D&at_medium=custom7&at_custom1=%5Bpost+type%5D&at_campaign=64

Globos de Oro 2021: estos son los principales nominados a lo mejor del cine y la televisión en Hollywood

Una temporada de premiaciones de cine y televisión atípica, con salas de cines cerradas por meses y la consolidación de plataformas en internet.

Con todo y eso, las producciones han seguido saliendo y algunas han sido reconocidas este miércoles entre las nominadas a la 78ª edición de premios Globos de Oro. 

El largometraje en blanco y negro de Netflix Mank lidera la competencia con seis candidaturas, incluida mejor película.

La misma cantidad de nominaciones acumula la serie sobre la realeza británica, The Crown.

Los reconocimientos son otorgados por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés).

Tres mujeres hicieron historia al ser reconocidas en la categoría de dirección, la primera vez que más de una mujer ha sido nominada en ese apartado.

Regina King, Chloé Zhao y Emerald Fennellcompiten junto a David Fincher y Aaron Sorkin. 

Solo cinco mujeres han sido nominadas como mejores directoras en los 77 años de existencia de los premios, lo que ha generado críticas en ediciones anteriores.

Entre los nominados hay nombres de veteranos de la industria como Al Pacino, Cate Blanchett y Nicole Kidman, pero también destacan las nominaciones de jóvenes como Anya Taylor-Joy(The Queen’s Gambit), quien fue incluida en sendas categorías de cine y televisión.

Destacaron también las nominaciones dobles para Sacha Baron Cohen, por interpretaciones de drama y comedia, y la inclusión del popular actor Chadwick Boseman, quien murió el pasado agosto, por su papel en Ma Rainey’s Black Bottom.

El gigante del streaming Netflix encabeza la competencia con 22 nominaciones, tres veces más que Amazon Studios, que cuenta con siete.

Las comediantes Tina Fey y Amy Poehlerestarán a cargo de amenizar la ceremonia el próximo 28 de febrero, con la particularidad de que no estarán en el mismo sitio. Fey lo hará desde Nueva York y Poehler desde Los Ángeles.

Estos son los nominados en las categorías principales:

Película (drama)

  • The Father
  • Mank
  • Nomadland
  • Promising Young Woman
  • The Trial of the Chicago 7

Serie de televisión, musical o comedia

  • Emily in Paris
  • The Flight Attendant
  • The Great 
  • Schitt’s Creek
  • Ted Lasso 

Actor de televisión (drama)

  • Jason Bateman – Ozark
  • Josh O’Connor – The Crown
  • Bob Odenkirk – Better Call Saul
  • Al Pacino – Hunters
  • Matthew Rhys – Perry Mason

Actriz de miniserie o película para televisión

  • Cate Blanchett – Mrs. America
  • Daisy Edgar-Jones – Normal People
  • Shira Haas – Unorthodox
  • Nicole Kidman – The Undoing
  • Anya Taylor-Joy – The Queen’s Gambit 

Director de largometraje

  • Emerald Fennell – Promising Young Woman
  • David Fincher – Mank
  • Regina King – One Night in Miami
  • Aaron Sorkin – The Trial of the Chicago 7
  • Chloé Zhao – Nomadland

Actriz de comedia o musical

  • Maria Bakalova – Borat Subsequent Moviefilm
  • Kate Hudson – Music
  • Michelle Pfeiffer – French Exit
  • Rosamund Pike – I Care a Lot
  • Anya Taylor-Joy – Emma

Actor de drama

  • Riz Ahmed – Sound of Metal
  • Chadwick Boseman – Ma Rainey’s Black Bottom
  • Anthony Hopkins – The Father
  • Gary Oldman – Mank
  • Tahar Rahim- The Mauritanian

Actriz de drama

  • Viola Davis – Ma Rainey’s Black Bottom
  • Andra Day – The United States vs. Billie Holiday
  • Vanessa Kirby – Pieces of a Woman
  • Frances McDormand – Nomadland
  • Carey Mulligan – Promising Young Woman 

Serie de televisión (drama)

  • The Crown
  • Lovecraft Country
  • The Mandalorian
  • Ozark
  • Ratched

Actriz de televisión (drama)

  • Olivia Colman – The Crown
  • Jodie Comer – Killing Eve
  • Emma Corrin – The Crown
  • Laura Linney – Ozark
  • Sarah Paulson – Ratched

Actor de miniserie o película para televisión

  • Bryan Cranston – Your Honor
  • Jeff Daniels – The Comey Rule
  • Hugh Grant – The Undoing
  • Ethan Hawke – The Good Lord Bird
  • Mark Ruffalo – I Know This Much is True

Actor de comedia o musical 

  • Sacha Baron Cohen – Borat Subsequent Moviefilm
  • James Corden – The Prom
  • Lin-Manuel Miranda – Hamilton
  • Dev Patel – The Personal History of David Copperfield 
  • Andy Samberg – Palm Springs 

Actor de reparto

  • Sacha Baron Cohen – The Trial of the Chicago 7
  • Daniel Kaluuya – Judas and the Black Messiah
  • Jared Leto – The Little Things
  • Bill Murray – On the Rocks
  • Leslie Odom Jr. – One Night in Miami

Banda sonora original 

  • The Midnight Sky
  • Tenet
  • News of the World
  • Mank
  • Soul

Actriz de televisión (musical o comedia)

  • Lily Collins – Emily in Paris
  • Kaley Cuoco – The Flight Attendant
  • Elle Fanning – The Great
  • Jane Levy – Zoey’s Extraordinary Playlist
  • Catherine O’Hara – Schitt’s Creek

Miniserie o película para televisión

  • Normal People
  • The Queen’s Gambit
  • Small Axe
  • The Undoing
  • Unorthodox

Actor de reparto en televisión

  • John Boyega –  Small Axe
  • Brendan Gleeson – The Comey Rule
  • Dan Levy – Schitt’s Creek
  • Jim Parsons – Hollywood
  • Donald Sutherland – The Undoing

Película (musical o comedia)

  • Borat Subsequent Moviefilm 
  • Hamilton
  • Music
  • Palm Springs
  • The Prom

Actriz de reparto

  • Glenn Close – Hillbilly Elegy
  • Olivia Colman – The Father
  • Jodie Foster – The Mauritanian
  • Amanda Seyfried – Mank
  • Helena Zengel – News of the World

Película en idioma extranjero (no inglés)

  • Another Round
  • The Life Ahead
  • La Llorona
  • Minari
  • Two of Us

Guion

  • Emerald Fennell – Promising Young Woman
  • Jack Fincher – Mank
  • Aaron Sorkin – The Trial of the Chicago 7
  • Christopher Hampton, Florian Zeller – The Father
  • Chloé Zhao – Nomadland

Actor de televisión (musical o comedia)

  • Don Cheadle – Black Monday
  • Nicholas Hoult – The Great
  • Eugene Levy – Schitt’s Creek
  • Jason Sudeikis – Ted Lasso
  • Ramy Youssef – Ramy 

Actriz de reparto en televisión

  • Gillian Anderson –The Crown
  • Helena Bonham Carter – The Crown 
  • Julia Garner – Ozark
  • Annie Murphy – Schitt’s Creek
  • Cynthia Nixon, Ratched

Canción original en un largometraje

  • “Fight for You” –  Judas and the Black Messiah
  • “Hear My Voice” – The Trial of the Chicago 7
  • “Is Si (Seen)” – The Life Ahead
  • “Speak Now” – One Night in Miami
  • “Tigress & Tweed”- The United States vs. Billie Holiday

Película animada

  • The Croods: A New Age
  • Onward
  • Over the Moon
  • Soul
  • Wolfwalkers

Tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-55920773

La extraordinaria historia del Ingeniero que construyó su propia isla (y micronación) frente a las costas de Italia

A finales de la década de 1960, un ingeniero italiano construyó su propia isla -con restaurante, bar, tienda de recuerdos e incluso oficina de correos- en las aguas del mar Adriático.

Es una historia extraordinaria, que no se había contado en décadas, pero eso está a punto de cambiar con el lanzamiento de “La increíble historia de la Isla de las Rosas” (L’incredibile storia dell’Isola delle Rose), una nueva película de Netflix.

El filme cuenta la historia real de Giorgio Rosa y su batalla con las autoridades italianas para que la estructura que construyó fuera reconocida como un Estado independiente.

Una historia desconocida por casi todos incluso en Italia, con la probable excepción de los habitantes de Rímini, la ciudad del norte del país que se alza en la costa frente a la que Rosa construyó su micro-nación utópica.

“Es el típico cuento en Rímini que los abuelos le cuentan a sus hijos y nietos”, explica el productor de la película Matteo Rovere.

“Es una historia muy famosa, pero solo en Rímini. Pensamos que era una historia increíble y que era muy extraño que no la conociéramos”, agrega.

Antes de su muerte en 2017, a la edad de 92 años, Rosa se reunió con los cineastas y, tras un poco de persuasión, les dio su bendición para adaptar su historia a la pantalla

La película resultante muestra la construcción de la isla y la negativa de Rosa a ceder a las demandas del gobierno italiano de desmantelarla.

Hija de su tiempo

La historia comienza en 1967, cuando Rosa se propuso construir una micro-nación, que pretendía ser un símbolo de libertad.

Mucha gente en ese momento pensó que debía estar loco para intentar tal hazaña. Y, como señala su hijo, la construcción de la Isla de las Rosas requirió una gran cantidad de conocimientos técnicos.

“Mi padre era ingeniero y en Italia bastaría con describirlo así para entender qué tipo de persona era”, explica Lorenzo Rosa. 

“Era una persona muy precisa, detallada y muy organizada. Un ingeniero en un sentido casi alemán de la palabra. Excepto por esta pequeña vena de locura que lo llevó a querer construir una plataforma para sí mismo, y luego convertirla en un estado fuera de las aguas territoriales, lo que lo convirtió en el príncipe de los anarquistas“, agrega.

L’isola delle Rose

  • En 1967, el ingeniero italiano Giorgio Rosa diseñó y financió la construcción de una plataforma de 400 metros cuadrados que se alzaba 26 metros sobre el lecho marino mediante pilones de acero.
  • La estructura se construyó a 12 km de la costa de Rímini, un poco más allá de las aguas territoriales italianas, lo que significaba que estaba fuera del control de sus autoridades.
  • Rosa se convirtió en presidente y lo declaró un estado independiente: la República de la Isla de las Rosas.
  • Las autoridades no estaban contentas de que la Isla de las Rosas se hubiera construido sin permiso y se estuviera beneficiando del turismo al mismo tiempo que evitaba las leyes fiscales italianas.
  • Además de afirmar que la isla se usaba para beber y jugar, en un esfuerzo por dañar su reputación algunos políticos incluso sugirieron que la isla representaba una amenaza para la seguridad nacional y podría estar proporcionando cobertura a los submarinos nucleares soviéticos.
  • Apenas 55 días después de la declaración de independencia de la isla, el 24 de junio de 1968, los italianos enviaron fuerzas militares para asumir el control de la misma y la destruyeron el 11 de febrero de 1969 utilizando dinamita.
  • Días después, una tormenta sumergió la estructura por completo. Hoy, sus restos descansan en el fondo marino del Adriático.

“La increíble historia de la isla de las Rosas” es fundamentalmente “una historia sobre la libertad, sobre lo resistente que fue Giorgio Rosa en su lucha con el gobierno”, explica Rovere. 

“Él no quería rendirse porque la ley, en los años 60, era que si estabas a más de seis millas de la costa, estabas en tierra de nadie, así que podías hacer lo que quisieras, como si estuvieras en la Luna”, agrega.

“Y así fue como construyó la isla, un logro increíble porque era muy complicado. La construyó en seis meses con cuatro amigos y un grupo muy pequeño de trabajadores. Inventó la tecnología para hacerlo, y estaba muy orgulloso de ello. De hecho, cuando hablamos con él [sobre hacer una película] no estaba muy interesado en la historia, pero le entusiasmaba contarnos sobre la tecnología que había inventado para construirla”, relata Rovere.

Una vez que se completó, la plataforma de Rosa atrajo rápidamente la atención de los periódicos italianos.

Y en un contexto de malestar mundial con la Guerra de Vietnam y las protestas por los derechos civiles, los jóvenes acudieron en masa a la Isla de las Rosas en busca de diversión y libertad.

Los esfuerzos para tratar de cerrarlo solo lo hicieron más popular. El gobierno italiano intentó desacreditarlo alegando que la isla estaba siendo utilizada para actividades ilegales como juegos de azar y consumo de drogas.

“Hicieron y dijeron todo eso simplemente porque querían arruinar su reputación“, dice el hijo de Rosa. 

“Incluso sugirieron que había submarinos rusos debajo de la isla. Y luego otra acusación fue que la isla era peligrosa porque era inestable y, sin embargo, se necesitaron tres rondas de dinamita para destruirla”.

Trabajo duro

De hecho, la cantidad de trabajo duro que tomó diseñar y construir la Isla de las Rosas se hizo evidente cuando el director Sydney Sibilia y su equipo intentaron recrearla para la pantalla.

La película se rodó en una piscina infinita en Malta, en un agua mucho menos profunda de lo que había sido en la vida real, pero aún así hubo una serie de problemas logísticos que superar.

La adaptación de Netflix es parte de sus esfuerzos por producir más títulos que no estén en inglés pero tengan atractivo mundial. El diálogo es italiano, aunque con subtítulos y el doblaje disponibles para el público internacional.

El prolífico actor italiano Elio Germanointerpreta a Rosa, mientras que su pareja es interpretada por Matilda De Angelis, quien recientemente interpretó a Elena en la serie de HBO The Undoing.

“Teníamos muchas cosas reales con las que lidiar”, reflexiona Germano sobre el proceso de rodaje. “El agua, el viento, todo eso era real, así que a veces era un poco como una película de acción, especialmente para mí, así que fue una experiencia dura, por supuesto”, cuenta.

Pero para Germano es un logro que la película haya llegado a buen término. 

“Antes de Netflix, era demasiado caro para nosotros filmar una película sobre esta historia… es la primera vez que una película italiana se filma así, con mucho dinero, y puedes liberar tu imaginación”, dice.

Ninguna de las estrellas de la película se había encontrado con la historia antes. “Soy de Bolonia y ni mis padres ni amigos ni familiares sabían de esta historia, que es una locura”, dice De Angelis. 

“Cuando leí el guión, me pregunté por qué nadie había hecho una película sobre la historia antes, porque es realmente increíble“, agrega.

Ideas de libertad

Una desventaja del desconocimiento sobre la historia es que no había mucho material para que los actores basaran sus personajes. 

“No es como si tuviéramos muchas imágenes o libros al respecto, así que construir los personajes realmente dependía de nosotros, de nuestra imaginación, así que lo importante era recrear las vibraciones de los 60, la ropa, las actitudes, las ideas de libertad “, dice De Angelis.

La película se centra en la batalla de Rosa con las autoridades italianas; muchas escenas tienen lugar en las salas de reuniones del gobierno, donde Rosa fue convocado para explicarse. 

Pero el ingeniero, que en ese momento tenía 40 años, se mantuvo firme en su posición de que no había violado ninguna ley al construir la isla, y no había ninguna razón para destruirla.

“Intentaron pagarle para que abandonara la isla, pero él quiso demostrar que era un acto de libertad”, explica Rovere, que investigó la película con documentos de la época. 

“Es una utopía, pero al mismo tiempo es una decisión que tomó para ser fuerte con el gobierno”, agrega.

La intención original de Rosa había sido agregar gradualmente más pisos a la Isla de las Rosas a lo largo de los años. 

“Pensaron que la isla no debería ser sólo de un piso, sino de cinco pisos“, confirma Rovere. “La estructura era muy sólida y la idea era construir un piso adicional cada temporada”.

Era difícil mantener todas las instalaciones que necesitaba la isla, aunque Rosa y su equipo lograron construir tres baños. 

Pero tuvieron dificultades cuando el tiempo empeoró. “Abrieron la isla alrededor de abril, así que tuvieron el primer verano en la isla, pero luego se dieron cuenta de que no era muy buenapara el invierno“, dice Rovere. 

Y su película no rehuye mostrar a Rosa luchando por hacer frente al frío, el viento, la lluvia y las olas.

“Experiencia maravillosa”

A pesar de los problemas logísticos, sin embargo, Lorenzo Rosa no guarda más que buenos recuerdos de sus visitas a la isla cuando era un niño de siete años.

“Amaba mucho esta isla y fui allí muchas veces, fue una experiencia maravillosa“, afirma.

Una foto tomada durante la construcción de la Isla de las Rosas, iniciada por Giorgio Rosa en 1967

“Me encantaba estar con mi padre y estar con él era un privilegio, porque él trabajaba muy duro como ingeniero, estaba construyendo la isla con su propio dinero y no era tan rico. Así que trabajaba duro para ganar dinero y luego dedicar su tiempo a construir la isla”, recuerda.

“Salía de Bolonia alrededor de las 4 o 5 de la mañana, llegaba a Rímini, se subía al barco y luego trabajaba en la isla. Así que estar con él fue muy divertido para mí. Me encantaba subir al barco y ver el agua, porque el mar Adriático cerca de la costa es muy fangoso, como arcilla, pero en el mar abierto era como estar en el Caribe “, cuenta.

Después de semejantes experiencias uno podría pensar que Giorgio Rosa se deleitaría contando historias sobre la Isla de Rosas por el resto de su vida, entusiasmado por compartir anécdotas sobre su creación. Pero no.

“De hecho, estaba muy molesto y muy arrepentido [después de que fue destruida], sufrió por eso. Nunca habló de eso. Era mejor no hablar de eso porque lo entristecería muchísimo, aunque respondía a las preguntas si se le preguntaba “, dice su hijo.

“El recuerdo más triste que tengo es cuando recibió la carta del gobierno italiano que le pedía que pagara el dinero gastado para destruir la isla, que en ese momento eran 11 millones de liras (unos US$7.000)”, cuenta.

Después de que la Isla de las Rosas fuera destruida con explosivos, una tormenta sumergió toda la estructura bajo el agua, y en la actualidad, sus restos descansan sobre el fondo marino del Adriático.

Lorenzo Rosa, sin embargo, todavía conserva una pieza de la estructura original en su casa.

“Tengo un ladrillo que sacaron los buzos de allí y escribieron algo bonito en él”, explica, leyendo la inscripción en voz alta. 

“Dice: ‘Los buceadores de Rímini tienen el honor de devolver el fragmento de un sueño a un soñador‘”.

Giorgio y Gabriella Rosa

Tomado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-55230977

Los mundos fantásticos y eternos de Remedios Varo

Remedios Alicia Rodrigo Varo y Uranga(1908-1963), conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista, escritora y artista gráfica española.

La obra de Varo recrea mundos surgidos de su imaginación en los que mezcla lo científico, lo místico, lo esotérico y lo mágico.

Considerada una artista de la alquimia, sus creaciones hacen revivir mundos salidos de cuentos de hadas y del inconsciente.

Figuras humanas estilizadas y realizando tareas simbólicas abundan en su vasta y compleja pintura.

Elementos oníricos y arquetípicos llenan de misticismo sus creaciones. El mundo animal, vegetal y humano se mezclan y conforman una unidad cósmica.

Su obra ha tenido gran impacto en el mundo del arte, especialmente en México, país en el que se exilió en 1941 tras la invasión nazi en París, ciudad en la que residía.

En 1955 montó su primera exposición colectiva en la galería Diana de la Ciudad de México, al año siguiente exhibió de manera individual.

Conoció a Frida Kahlo y Diego Rivera. Su amistad con la también pintora surrealista Leonora Carrington fue fundamental en la obra de ambas.

Destacó durante la época muralista mexicano con sus pinturas exhibidas en diferentes insitituciones.

El tríptico Bordando el manto terrestre y La huida (1961) traduce su historia de vida a una representación surrealista.

El misticismo en sus pinturas estaba influenciado por el psicoanálisis de Sigmund Freud, Carl Jung y Alfred Adler, Mujer saliendo del psicoanalista (1960) es reflejo de ello.

La pintura no fue su único medio de vida. Aleatoriamente realizaba trabajos como ilustradora publicitaria e incluso realizó decorados para la película La aldea maldita, de Florián Rey y diseñó trajes y tocados para teatro y ballet.

Ascensión al monte análogo (1960).
Roulotte, 1955.

Artículo tomado de : https://fahrenheitmagazine.com/arte/plasticas/los-mundos-fantasticos-y-eternos-de-remedios-varo

Diego Rivera, el pintor de la identidad Mexicana

Nacido el 8 de diciembre de 1886 en la ciudad de Guanajuato, además de perder a su hermano gemelo un año y medio despues de su nacimiento, Diego Rivera sufrió raquitismo en su niñez, por lo que su constitución física era muy débil. A pesar de que su padre quiso que ingresara en el Colegio Militar, Diego empezó a asistir a clases nocturnas en la Academia de San Carlos, donde conoció al célebre paisajista José Maria Velasco. Gracias a una subvención del Estado, el joven pudo viajar a España donde se familiarizó con la obra de Goya, El Greco y Breughel, e ingresó en el taller del paisajista más famoso del Madrid de aquel momento: Eduardo Chicharro. Rivera viajó posteriormente a París, donde se reunió con algunos de sus amigos artistas: el pintor italiano Amedeo Modigliani –quien pinto su retrato en 1914– y el escritor y periodista sovietico Ilya Ehrenburg –ambos, junto con la esposa del propio Modigliani y otros escritores y pintores–, fueron plasmados en el cuadro de Marie Vorobieff Homenaje a amigos de Montparnasse

En 1915, Rivera mantuvo un romance apasionado con la pintora rusa Marievna Vorobieva-Stebelska, con quien tuvo una hija, Marika Rivera, a la que no reconoció. Rivera también recorrió Italia, donde estudió el arte renacentista y sintió gran admiración por los maestros del Quattrocento, en especial por la obra de Giotto.

De regreso a México en 1921, e identificado con los ideales revolucionarios mexicanos, Rivera emprendió un gran proyecto: pintar la historia de su pueblo desde la época precolombina hasta la revolución. El abogado, político, escritor, educador, funcionario público y filósofo, José Vasconcelos patrocinó, tras convertirse en Ministro de Educación, un programa muralístico mexicano. En 1922, Rivera realizó su primera creación mural importante para el Auditorio Bolívar a la que tituló La Creación. En este mural, el pintor quiso plasmar la idea de la creación de los mexicanos y en él se observa a un hombre surgiendo del árbol de la vida. Como anécdota, mientras pintaba esta obra, denostada por los estudiantes de derechas, para protegerse Diego Rivera iba armado con una pistola.

LOS PRIMEROS MURALES Y LA SOCIEDAD AMORC

La madurez artística de Diego Rivera llegó entre los años 1923 y 1928, cuando pintó los frescos de la Secretaría de Educación Pública, en Ciudad de México, y los de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo.El protagonista absoluto de estos frescos es el pueblo mexicano representado en sus trabajos y en sus fiestas. La intención de Rivera fue reflejar la vida cotidiana tal como él la veía y para ello la dividió en dos grandes temas: el trabajo y el ocio.En 1926, Diego Rivera entró a formar parte de la sociedad ocultista estadounidense AMORC (Antigua Orden Mística Rosa Crucis). Ese mismo año fundó en Ciudad de México una logia de esta entidad a la que llamó Gran Logia Quetzalcóatl, donde pintó una imagen de esta antigua divinidad azteca, la serpiente emplumada.

Rivera decía que desde esta organización ocultista podía expandir las ideas comunistas a Estados Unidos. También afirmó que la organización era: “Esencialmente materialista, en la medida en que sólo admite diferentes estados de energía y materia, y se basa en el antiguo conocimiento oculto egipcio de Amenhotep IV y Nefertiti”.

Pero donde verdaderamente Diego Rivera creó una imagen visual de la identidad mexicana moderna fue en los frescos que, a partir de 1929 (año en que fue expulsado del partido comunista por presentar ciertas discrepancias), pintó en el Palacio Nacional de México. Es su gran obra, y en ella Rivera ilustra la historia de México desde época precolombina. Los murales ocupan las tres paredes que se encuentran frente a la escalinata principal del edificio. Mientras que la pared central abarca el período que va desde la conquista española de México en 1519 hasta la revolución, en el de la derecha el artista describe una visión nostálgica e idealizada del mundo precolombino, y en el de la izquierda plasma la visión de un México moderno y próspero

El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera se casó con la también artista mexicana Frida Kahlo. Su relación fue tormentosa Estuvo marcada por el amor y a la vez el odio que se profesaban, por mantener aventuras amorosas con terceros y por su vínculo creativo. Su matrimonio fue definido como “la unión entre un elefante y una paloma”, por ser él grande y pesado, como un elefante, y ella delgada y ligera como esta ave. Aunque una de las aventuras de Diego fue con Cristina, la propia hermana de Frida, y a pesar de su relación amor-odio, ambos parecían complementarse muy bien.

Entre 1930 y 1934, Rivera estableció su residencia en Estados Unidos, donde pintó obras para el Instituto de Arte de Detroit y un gran mural para el Rockefeller Center de Nueva York, al que tituló El hombre en la encrucijada. En esta obra, el artista mexicano incluyó la figura de Leninen un lugar destacado, lo que le valió una vehemente crítica por parte de la prensa norteamericana. Ante la negativa de Rivera de suprimir la figura del líder soviético, la obra acabo siendo destruida (hay distintas versiones al respecto). Con algunas modificaciones, Rivera realizó otra pintura a la que llamó El hombre controlador del universo para el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

La actividad creativa de Rivera era incesante, y en 1947 pintó otro mural que provocó un gran revuelo. Titulado Sueño de una tarde dominical en la alameda central, el artista retrató un paseo imaginario en el que coinciden personajes destacados de la historia mexicana, desde el período colonial hasta la revolución. En este mural aparece el escritor ateo del siglo XIX, Ignacio Ramírez, el Nigromante, hecho que provocó virulentas reacciones entre los sectores religiosos del país.

Tras la muerte de Frida Kahlo en 1954, Diego Rivera cayó enfermo y viajó a Moscu para seguir un tratamiento Con todo, volvió a casarse por cuarta vez con Emma Hurtado. A su muerte, las cenizas de Diego Rivera fueron enterradas en la Rotonda de Hombres Ilustres de Ciudad de México. Diego Rivera ha sido considerado el artista portavoz de los oprimidos, de los indígenas y, también, el gran ilustrador de la historia de México, convirtiendo sus obras en el símbolo de una nación.

El pintor mexicano legó a su país sus obras y colecciones: donó al pueblo un edificio construido por él, la Casa-Museo Anahuacalli, donde se conservan sus colecciones de arte precolombino, y su casa en Ciudad de México fue convertida en el Museo Estudio Diego Rivera, que alberga obras y dibujos del artista, así como su colección de arte popular.

Artículo tomado de: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/diego-rivera-pintor-identidad-mexicana_14934